{"title":"Kunst","description":"\u003cp\u003eSeltene Multiples, signierte Editionen und außergewöhnliche Grafiken von bedeutenden Künstlern. Von Joseph Beuys bis Hans Bellmer – entdecke Kunstwerke mit Geschichte und Charakter für anspruchsvolle Sammler.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eJedes Stück wurde mit Leidenschaft kuratiert und wartet darauf, Teil deiner Sammlung zu werden.\u003c\/p\u003e","products":[{"product_id":"joseph-beuys-multiple-countdown-2000-1981","title":"Joseph Beuys – \"Countdown 2000\" (1981)","description":"\u003ch2\u003eJoseph Beuys – \"Countdown 2000\" (1981)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEin ikonisches Multiple des legendären deutschen Künstlers Joseph Beuys: \"Countdown 2000\" aus dem Jahr 1981. Dieses visionäre Werk entstand in einer Zeit intensiver gesellschaftspolitischer Auseinandersetzung und spiegelt Beuys' Gedanken zur Zukunft, zur Jahrtausendwende und zur Verantwortung der Kunst wider.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eJoseph Beuys – Visionär und Revolutionär\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eJoseph Beuys (1921-1986) zählt zu den einflussreichsten Künstlern des 20. Jahrhunderts. Mit seinem erweiterten Kunstbegriff – \"Jeder Mensch ist ein Künstler\" – revolutionierte er nicht nur die Kunst, sondern auch das Denken über Gesellschaft, Politik und Ökologie. Seine Werke befinden sich in den bedeutendsten Museen weltweit, von der Tate Modern über das MoMA bis zum Centre Pompidou.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\"Countdown 2000\" – Eine Vision der Zukunft\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\"Countdown 2000\" entstand 1981, fast zwei Jahrzehnte vor der Jahrtausendwende. Der Titel verweist auf den Countdown zum Jahr 2000 – eine Zeit, die damals noch fern und utopisch erschien. Beuys' Werk ist eine künstlerische Reflexion über Zukunft, Transformation und die Rolle der Kunst in gesellschaftlichen Veränderungsprozessen.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDas Jahr 1981 war geprägt von Kaltem Krieg, Umweltbewegung und der Friedensbewegung – Themen, mit denen sich Beuys intensiv auseinandersetzte. \"Countdown 2000\" kann als Mahnung und Hoffnung zugleich gelesen werden: ein Aufruf zur Veränderung vor dem Eintritt ins neue Jahrtausend.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDie Demokratisierung der Kunst durch Multiples\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eBeuys nutzte die Form des Multiples bewusst, um Kunst einem breiteren Publikum zugänglich zu machen. Anders als Unikate konnten Multiples in größerer Auflage produziert und zu erschwinglicheren Preisen angeboten werden – ganz im Sinne von Beuys' demokratischem Kunstverständnis. Heute sind seine Multiples begehrte Sammlerstücke und wichtige Zeugnisse seiner künstlerischen Philosophie.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eKünstler: Joseph Beuys (1921-1986)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: \"Countdown 2000\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: 1981\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTechnik: Farboffset auf Velin\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eFormat: 97 × 73 cm (großformatig)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAuflage: Limitiert auf 2000 Exemplare\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNummeriert und signiert von Joseph Beuys\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eHerkunftsland: Deutschland\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: \"Sehr gut\" \u003cbr\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eKunsthistorische Bedeutung\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\"Countdown 2000\" gehört zu Beuys' späten Multiples, entstanden nur fünf Jahre vor seinem Tod 1986. Es ist ein reifes Werk, das seine jahrzehntelange Auseinandersetzung mit Kunst, Gesellschaft und Zukunft reflektiert. Die Tatsache, dass wir heute – im Jahr 2026 – auf dieses Werk zurückblicken, verleiht ihm zusätzliche historische Dimension: Beuys' Vision der Jahrtausendwende ist nun selbst Geschichte.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eJoseph Beuys-Multiples sind eine hervorragende Möglichkeit, ein Werk eines der bedeutendsten Künstler des 20. Jahrhunderts zu erwerben. \"Countdown 2000\" vereint mehrere wichtige Aspekte:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eIkonischer Künstler\u003c\/strong\u003e – Beuys ist einer der gefragtesten deutschen Künstler\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSpätes Werk\u003c\/strong\u003e – Aus der reifen Schaffensphase (1981)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGroßformat\u003c\/strong\u003e – Mit 97 × 73 cm ein beeindruckendes Statement-Piece\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eNummeriert und signiert\u003c\/strong\u003e – Authentizität garantiert\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eLimitierte Auflage\u003c\/strong\u003e – 2000 Exemplare\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eZeithistorische Relevanz\u003c\/strong\u003e – Dokument der frühen 1980er Jahre\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eWertsteigerung\u003c\/strong\u003e – Beuys-Werke steigen kontinuierlich im Wert\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003ePräsentation\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eMit seinen beeindruckenden Maßen von fast einem Meter Höhe ist \"Countdown 2000\" ein kraftvolles Wandobjekt, das jeden Raum dominiert. Das großformatige Multiple eignet sich hervorragend für:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eWohnräume mit hohen Decken\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eBüros und Geschäftsräume\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eGalerien und Ausstellungsräume\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eInstitutionelle Sammlungen\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eInvestition in Kunstgeschichte\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eEin Joseph Beuys Multiple ist mehr als ein Kunstwerk – es ist ein Stück deutscher und internationaler Kunstgeschichte. Beuys' Einfluss auf zeitgenössische Kunst, Performance, Installation und soziale Skulptur ist unermesslich. Seine Werke werden weltweit in Museen gezeigt und sind begehrte Sammlerstücke.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\"Countdown 2000\" – Eine visionäre Arbeit von Joseph Beuys, die heute, 45 Jahre nach ihrer Entstehung, nichts von ihrer Aktualität und Kraft verloren hat. Ein Muss für jeden ernsthaften Sammler deutscher Nachkriegskunst.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Beuys Multiple","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":43936664551692,"sku":"","price":1800.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/products\/Joseph-Beuys-Countdown-2000.jpg?v=1672864737"},{"product_id":"joseph-beuys-eine-strassenaktion-multiple","title":"Joseph Beuys – Werkverzeichnis der Multiples mit \"Fingernagelabdruck\" (1972)","description":"\u003ch2\u003eJoseph Beuys – Werkverzeichnis der Multiples mit \"Fingernagelabdruck\" (1972)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEin außergewöhnliches Sammlerstück von höchster Bedeutung: Das historische Werkverzeichnis von 1972 mit dem legendären Multiple \"Fingernagelabdruck aus gehärteter Butter\" – eines der ikonischsten und provokativsten Werke von Joseph Beuys. Ein Schlüsseldokument der Beuys-Forschung und zugleich ein eigenständiges Kunstwerk.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDas Besondere an diesem Werk\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDieses Werkverzeichnis dokumentiert sämtliche multiplizierten Arbeiten von Joseph Beuys bis 1972 und enthält das originale Multiple \"Fingernagelabdruck aus gehärteter Butter\" (1971) – ein Schlüsselwerk, das Beuys' radikalen Ansatz zur Demokratisierung der Kunst verkörpert. Es ist nicht nur ein Katalog, sondern selbst ein Kunstwerk, da das Multiple integraler Bestandteil der Publikation ist.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eJoseph Beuys – Revolutionär der Kunst\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eJoseph Beuys (1921-1986) zählt zu den einflussreichsten Künstlern des 20. Jahrhunderts. Mit seinem erweiterten Kunstbegriff \"Jeder Mensch ist ein Künstler\" revolutionierte er nicht nur die Kunst, sondern auch das Denken über Gesellschaft, Politik und Kreativität. Seine Multiples waren zentral für seine Philosophie: Kunst sollte demokratisch zugänglich sein, nicht nur einer Elite vorbehalten.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\"Fingernagelabdruck aus gehärteter Butter\" – Provokation \u0026amp; Poesie\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDer \"Fingernagelabdruck aus gehärteter Butter\" ist typisch Beuys – eine poetische Geste, die vergängliche Materialien in dauerhafte Kunst verwandelt. Butter, normalerweise ein Lebensmittel, wird gehärtet und trägt den Abdruck eines Fingernagels – eine intime, körperliche Spur des Künstlers. Das Werk wirft fundamentale Fragen auf:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eWas ist Authentizität in der Kunst?\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eWie verhält sich das Vergängliche zum Dauerhaften?\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eKann ein Fingernagelabdruck in Butter Kunst sein?\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eWas macht ein Objekt wertvoll?\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003eDiese Fragen sind bis heute aktuell und machen das Multiple zu einem der meistdiskutierten Werke von Beuys.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eEdition Jörg Schellmann – Die maßgebliche Referenz\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eJörg Schellmann ist der führende Experte für Beuys' Multiples. Seine Werkverzeichnisse sind die maßgebliche Referenz für Sammler, Museen und Forscher. Die 2. erweiterte Auflage von Oktober 1972 dokumentiert den Stand von Beuys' Multiple-Produktion zu einem entscheidenden Zeitpunkt seiner Karriere.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eKünstler: Joseph Beuys (1921-1986)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: \"Verzeichnis sämtlicher multiplizierten Arbeiten: Objekte, Grafik, Texte, Filme bis 1972\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eHerausgeber: Edition Jörg Schellmann, München\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAusgabe: 2. erweiterte Auflage, Oktober 1972\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eBeigeheftet: Multiple \"Fingernagelabdruck aus gehärteter Butter\" (1971)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMaterial Multiple: Fingernagelabdruck aus gehärteter Butter in Plastikdose\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMontierung: Auf perforiertem Graukarton\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eFormat: 24 × 21 × 1,5 cm\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAuflage: 150 Exemplare\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNummerierung: Exemplar 88\/150\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSigniert und nummeriert auf dem Karton\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: Gut mit normalen Alterungsspuren (über 50 Jahre alt)\u003cbr\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003e1972 – Ein Schlüsseljahr\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDas Jahr 1972 war entscheidend für Beuys:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eTeilnahme an der documenta 5 in Kassel\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eGründung der \"Organisation für direkte Demokratie durch Volksabstimmung\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eIntensive Auseinandersetzung mit politischen und gesellschaftlichen Fragen\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eHöhepunkt seiner Multiple-Produktion\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003eDieses Werkverzeichnis dokumentiert Beuys auf dem Höhepunkt seiner kreativen und politischen Aktivität.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e40 Jahre nach Beuys' Tod\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eIm Januar 2026, genau 40 Jahre nach Joseph Beuys' Tod am 23. Januar 1986, gewinnt dieses Werk zusätzliche historische Dimension. Es ist nicht nur ein Kunstwerk und Dokument, sondern auch ein Vermächtnis eines Künstlers, der die Welt durch Kunst verändern wollte.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDieses Werkverzeichnis mit Multiple vereint mehrere außergewöhnliche Aspekte:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDoppelte Funktion\u003c\/strong\u003e – Dokumentation UND Kunstwerk\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eIkonisches Multiple\u003c\/strong\u003e – \"Fingernagelabdruck\" gehört zu Beuys' bekanntesten Werken\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eNiedrige Auflage\u003c\/strong\u003e – Nur 150 Exemplare, davon Nr. 88\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSigniert und nummeriert\u003c\/strong\u003e – Von Beuys persönlich\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eHistorisches Dokument\u003c\/strong\u003e – Werkverzeichnis bis 1972\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEdition Schellmann\u003c\/strong\u003e – Maßgebliche Referenz\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eÜber 50 Jahre alt\u003c\/strong\u003e – Authentisches Zeitdokument\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003e40. Todestag 2026\u003c\/strong\u003e – Besondere Aktualität\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eProvenienz \u0026amp; Authentizität\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDie Signatur und Nummerierung auf dem Karton garantieren die Authentizität. Das Werkverzeichnis von Jörg Schellmann ist die maßgebliche Referenz für Beuys-Multiples und dokumentiert dieses Werk.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eZustand \u0026amp; Konservierung\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eMit über 50 Jahren zeigt das Werk normale Alterungsspuren, die seinen historischen Charakter unterstreichen. Die Butter im Multiple ist gehärtet und stabil – ein faszinierendes Beispiel für Beuys' Umgang mit vergänglichen Materialien.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eMuseum-Quality\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDieses Werk gehört in jede ernsthafte Beuys-Sammlung. Es ist Museum-Quality und dokumentiert einen entscheidenden Moment in Beuys' Schaffen. Vergleichbare Exemplare befinden sich in den Sammlungen führender Museen weltweit.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eIdeal für\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eBeuys-Sammler und -Kenner\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMuseen und institutionelle Sammlungen\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eLiebhaber konzeptueller Kunst\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSammler von Künstlerbüchern und Multiples\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eForscher und Kunsthistoriker\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAlle, die ein Schlüsselwerk der Nachkriegskunst besitzen möchten\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eInvestition in Kunstgeschichte\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eJoseph Beuys-Multiples, insbesondere ikonische Werke wie der \"Fingernagelabdruck\", steigen kontinuierlich im Wert. Mit 900 € bietet dieses Werkverzeichnis mit integriertem Multiple eine einzigartige Gelegenheit, ein bedeutendes Beuys-Werk zu erwerben.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEin absolutes Must-have für Beuys-Sammler und Kenner: Das historische Werkverzeichnis von 1972 mit dem legendären Multiple \"Fingernagelabdruck aus gehärteter Butter\". Exemplar 88\/150, signiert und nummeriert. Ein Schlüsseldokument der Kunstgeschichte – 40 Jahre nach Beuys' Tod aktueller denn je.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Beuys Multiple","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":43959037460748,"sku":"","price":900.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/3682fc34-8569-47b8-9592-b2cf010b56a6-2.jpg?v=1747475216"},{"product_id":"joseph-beuys-dr-speck-multiple","title":"Joseph Beuys – Postkartenserie (1968-1986) – Edition Staeck","description":"\u003ch2\u003eJoseph Beuys – Postkartenserie (1968-1986) – Edition Staeck\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEin außergewöhnliches Zeitdokument: Eine signierte Postkartenserie von Joseph Beuys, herausgegeben von der legendären Edition Staeck zwischen 1968 und 1986. Diese Sammlung dokumentiert fast zwei Jahrzehnte künstlerischer und politischer Zusammenarbeit zwischen Beuys und dem Verleger Klaus Staeck – eine der wichtigsten Partnerschaften der deutschen Nachkriegskunst.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eJoseph Beuys \u0026amp; Klaus Staeck – Eine legendäre Zusammenarbeit\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eJoseph Beuys (1921-1986) und Klaus Staeck (*1938) verband eine enge künstlerische und politische Freundschaft. Staecks Edition in Heidelberg wurde zum wichtigsten Verleger für Beuys' Multiples, Postkarten und politische Kunst. Gemeinsam nutzten sie das Medium der Postkarte als demokratisches Kunstformat – erschwinglich, verbreitbar und politisch wirksam.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDie Postkarte als Kunstform\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eFür Beuys war die Postkarte mehr als ein Kommunikationsmittel – sie war ein Medium zur Verbreitung seiner Ideen. \"Jeder Mensch ist ein Künstler\" bedeutete auch: Kunst muss für jeden zugänglich sein. Die Postkarten der Edition Staeck kosteten oft nur wenige Mark und konnten verschickt, gesammelt oder an Wände gepinnt werden. Sie waren Kunst, Botschaft und Aktivismus zugleich.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e1968-1986: Fast zwei Jahrzehnte Kunstgeschichte\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDie Zeitspanne dieser Serie umfasst entscheidende Jahre:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003e1968\u003c\/strong\u003e – Studentenbewegung, politischer Aufbruch\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003e1970er\u003c\/strong\u003e – Beuys' politisches Engagement, Gründung der \"Organisation für direkte Demokratie\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003e1980er\u003c\/strong\u003e – Friedensbewegung, Umweltbewegung, die Grünen\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003e1986\u003c\/strong\u003e – Beuys' Todesjahr\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003eDiese Postkartenserie dokumentiert Beuys' künstlerische und politische Entwicklung über fast sein gesamtes Spätwerk.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eKünstler: Joseph Beuys (1921-1986)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eHerausgeber: Edition Staeck, Heidelberg\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZeitraum: 1968-1986\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTechnik: Offset auf Papier\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eFormat: Postkartengröße (Standard)\u003cbr\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSigniert: Ja (von Joseph Beuys)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAuflage: Unbekannt (typisch für Edition Staeck: demokratische Auflagen)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: Sehr gut\u003cbr\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eEdition Staeck – Demokratische Kunst\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eKlaus Staecks Edition war und ist eine Institution der politischen Kunst in Deutschland. Staeck selbst ist bekannt für seine satirischen Plakate und Postkarten, die deutsche Politik und Gesellschaft kritisch kommentieren. Seine Zusammenarbeit mit Beuys war geprägt von gemeinsamen Überzeugungen: Kunst muss politisch sein, zugänglich sein und die Gesellschaft verändern.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDiese Postkartenserie vereint mehrere außergewöhnliche Aspekte:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSigniert von Beuys\u003c\/strong\u003e – Authentizität und persönliche Verbindung\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eEdition Staeck\u003c\/strong\u003e – Renommierter Verleger, wichtige Provenienz\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eZeitspanne 1968-1986\u003c\/strong\u003e – Dokumentiert fast zwei Jahrzehnte\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSehr guter Zustand\u003c\/strong\u003e – Trotz des Alters hervorragend erhalten\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDemokratisches Kunstformat\u003c\/strong\u003e – Beuys' Philosophie in Reinform\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eHistorisches Dokument\u003c\/strong\u003e – Zeugnis deutscher Kunst- und Politikgeschichte\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eKunsthistorische Bedeutung\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eBeuys' Postkarten sind heute begehrte Sammlerstücke, die oft unterschätzt werden. Während seine Multiples und Skulpturen hohe Preise erzielen, bieten die Postkarten einen erschwinglichen Zugang zu seinem Werk. Zugleich sind sie authentische Zeugnisse seiner künstlerischen Praxis und seines politischen Engagements.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e40 Jahre nach Beuys' Tod\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eIm Jahr 2026, 40 Jahre nach Joseph Beuys' Tod, gewinnen seine Arbeiten zusätzliche historische Dimension. Diese Postkartenserie ist nicht nur Kunst, sondern auch ein Dokument einer Zeit, in der Künstler glaubten, die Welt durch Kunst verändern zu können.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eIdeal für\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eBeuys-Sammler, die eine umfassende Werkübersicht anstreben\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eLiebhaber politischer Kunst\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSammler von Edition Staeck\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eKenner demokratischer Kunstformate\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMuseen und Archive zur deutschen Nachkriegskunst\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEinsteiger in die Beuys-Sammlung (erschwinglicher Einstieg)\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003ePräsentation \u0026amp; Archivierung\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003ePostkarten können auf vielfältige Weise präsentiert werden:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eIn Vitrinen oder Rahmen\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eIn Archivmappen (säurefrei)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAls Wandinstallation (alle Karten zusammen)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eIn wechselnder Auswahl\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEine signierte Postkartenserie von Joseph Beuys aus der Edition Staeck – ein faszinierendes Ensemble, das fast zwei Jahrzehnte deutscher Kunst- und Politikgeschichte dokumentiert. Demokratische Kunst in Reinform, signiert vom Meister selbst.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Edition Staeck","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":43959467540748,"sku":"","price":450.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/IMG_9707.heic?v=1746884881"},{"product_id":"hans-bellmer-chants-de-maldoror-7-radierungen-konvolut","title":"Hans Bellmer – \"Chants de Maldoror\" – 7 Radierungen (Konvolut)","description":"\u003ch2\u003eHans Bellmer – \"Chants de Maldoror\" – 7 Radierungen (Konvolut)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEin außergewöhnliches Meisterwerk des Surrealismus: Sieben originale Radierungen von Hans Bellmer zu Lautréamonts legendärem Prosagedicht \"Les Chants de Maldoror\". Nummeriert 78\/100, signiert – ein Museum-Quality-Konvolut von einem der bedeutendsten surrealistischen Künstler des 20. Jahrhunderts.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eHans Bellmer – Meister des surrealistischen Eros\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eHans Bellmer (1902-1975) war ein deutsch-französischer Künstler, der zu den wichtigsten Vertretern des Surrealismus zählt. Berühmt wurde er durch seine verstörenden Puppen-Skulpturen, doch sein grafisches Werk – insbesondere seine Radierungen – gehört zum Intensivsten, was die surrealistische Kunst hervorgebracht hat. Bellmers Arbeiten befinden sich in den Sammlungen des MoMA, Centre Pompidou, Tate Modern und vielen anderen führenden Museen weltweit.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\"Les Chants de Maldoror\" – Ein surrealistisches Kultbuch\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\"Les Chants de Maldoror\" (Die Gesänge des Maldoror) von Comte de Lautréamont (1846-1870) ist eines der Schlüsselwerke der surrealistischen Literatur. Das 1869 erschienene Prosagedicht mit seinen verstörenden, erotisch aufgeladenen und gewalttätigen Bildern wurde von den Surrealisten als Offenbarung gefeiert. André Breton nannte es \"die Bibel des Surrealismus\".\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eBellmers Interpretation\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eHans Bellmer war wie geschaffen für die Illustration von Lautréamonts düsterem Meisterwerk. Seine Radierungen zu den \"Chants de Maldoror\" gehören zu den ikonischsten Illustrationen der surrealistischen Literatur. Mit seiner charakteristischen Technik – feine, nervöse Linien, die sich zu komplexen, oft verstörenden Körperbildern verdichten – schuf Bellmer visuelle Äquivalente zu Lautréamonts literarischen Exzessen.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eKünstler: Hans Bellmer (1902-1975)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: \"Chants de Maldoror\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eLiterarische Vorlage: Comte de Lautréamont\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAnzahl: 7 originale Radierungen (Konvolut)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTechnik: Radierung (Kupferstich)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eFormat: 56 × 38 cm (jedes Blatt)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAuflage: 100 Exemplare\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNummerierung: 78\/100\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSigniert von Hans Bellmer\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eProvenienz: Vorhanden\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: Perfekt (siehe Fotos)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003ePräsentation: Ungerahmt\u003cbr\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eKunsthistorische Bedeutung\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eBellmers Radierungen zu den \"Chants de Maldoror\" sind Schlüsselwerke der surrealistischen Buchkunst. Sie verbinden zwei Ikonen des Surrealismus – Lautréamonts literarisches Meisterwerk und Bellmers grafisches Genie – zu einem Gesamtkunstwerk von außerordentlicher Intensität.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDie Radierungen zeigen Bellmers charakteristische Motive:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eFragmentierte, metamorphe Körper\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eErotische und verstörende Bildwelten\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eVirtuose Linienführung\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTraumhafte, alptraumhafte Atmosphäre\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDieses Konvolut ist ein absolutes Museum-Quality-Stück und vereint mehrere außergewöhnliche Aspekte:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003e7 originale Radierungen\u003c\/strong\u003e – Komplettes Set aus der Serie\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSigniert und nummeriert\u003c\/strong\u003e – 78\/100, niedrige Auflage\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003ePerfekter Zustand\u003c\/strong\u003e – Museale Erhaltung\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProvenienz vorhanden\u003c\/strong\u003e – Dokumentierte Herkunft\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eIkonisches Werk\u003c\/strong\u003e – Zu einem der wichtigsten surrealistischen Texte\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eHans Bellmer\u003c\/strong\u003e – Einer der gefragtesten surrealistischen Künstler\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eSammlerwert\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eHans Bellmer-Radierungen, insbesondere die \"Chants de Maldoror\"-Serie, gehören zu den begehrtesten Werken der surrealistischen Druckgrafik. Komplette Sets in perfektem Zustand sind extrem selten auf dem Markt. Der Wert solcher Arbeiten steigt kontinuierlich, da Bellmer als einer der wichtigsten Surrealisten zunehmend anerkannt wird.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eIdeal für:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eSammler surrealistischer Kunst\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eLiebhaber von Buchkunst und Künstlerbüchern\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eKenner erotischer und provokanter Kunst\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMuseen und institutionelle Sammlungen\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eBibliophile Sammler\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEin Hauptwerk des Surrealismus – sieben Radierungen von Hans Bellmer zu einem der wichtigsten Texte der surrealistischen Literatur. Museum-Quality, perfekter Zustand, mit Provenienz.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":44191156633868,"sku":"","price":6500.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/products\/IMG_8545.heic?v=1676825239"},{"product_id":"walter-brusius","title":"Walter Brusius – \"Der alte Südamerikaner\" (1999)","description":"\u003ch2\u003eWalter Brusius – \"Der alte Südamerikaner\" (1999)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEin eindringliches Porträt voller Charakter und Lebensgeschichte: \"Der alte Südamerikaner\" von Walter Brusius aus dem Jahr 1999. Mit sensibler Pinselführung und psychologischem Einfühlungsvermögen schafft Brusius das Porträt eines Menschen, dessen Gesicht von einem langen, bewegten Leben erzählt.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eWalter Brusius – Maler des Menschen\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eWalter Brusius ist ein deutscher Künstler, der sich intensiv mit der figurativen Malerei und insbesondere mit dem Porträt auseinandersetzt. Seine Arbeiten zeichnen sich durch psychologische Tiefe und malerische Qualität aus – er malt nicht nur Gesichter, sondern Lebensgeschichten, Charaktere, Schicksale.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\"Der alte Südamerikaner\" – Ein Gesicht erzählt Geschichte\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDer Titel gibt bereits einen Hinweis auf die Biografie des Porträtierten: ein alter Mann aus Südamerika. Doch was erzählt sein Gesicht? Welche Geschichten verbergen sich hinter den Falten, dem Blick, der Haltung? Brusius' Porträt lädt ein zur Kontemplation, zur Begegnung mit einem Menschen, dessen Leben sich in seinem Gesicht eingeschrieben hat.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDas Porträt steht in der großen Tradition der europäischen Malerei – von Rembrandt über Velázquez bis zu den Expressionisten. Doch Brusius malt nicht historische Figuren oder Prominente, sondern gewöhnliche Menschen, deren Würde gerade in ihrer Gewöhnlichkeit liegt.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eSüdamerika in der deutschen Malerei\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDie Wahl eines südamerikanischen Motivs ist bemerkenswert. In der deutschen Malerei der Nachkriegszeit spielten außereuropäische Themen oft eine wichtige Rolle – als Ausdruck von Weltoffenheit, als Interesse am Anderen, als Suche nach neuen Perspektiven. \"Der alte Südamerikaner\" könnte ein Immigrant sein, ein Reisender, ein Zeitzeuge – seine Geschichte bleibt offen für die Interpretation des Betrachters.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eÖl auf Leinwand – Klassische Maltechnik\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDas Gemälde ist in Öl auf Leinwand ausgeführt – der klassischen Technik der Porträtmalerei. Ölfarben ermöglichen feine Nuancierungen in Hautton, Licht und Schatten, die für ein lebendiges Porträt unerlässlich sind. Jeder Pinselstrich trägt zur Charakterisierung bei, jede Farbschicht zur Tiefe des Ausdrucks.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eKünstler: Walter Brusius\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: \"Der alte Südamerikaner\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: 1999\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTechnik: Öl auf Leinwand\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eFormat: 50 × 60 cm\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSigniert vom Künstler\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eUnikat (keine Edition)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: \"Sehr gut\"\u003cbr\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eDas Porträt in der zeitgenössischen Kunst\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eIn einer Zeit, in der viele zeitgenössische Künstler sich von der Figuration abwenden, hält Brusius am Porträt fest – nicht aus Nostalgie, sondern aus Überzeugung. Das Porträt ist für ihn ein Medium der Begegnung, der Empathie, der Menschlichkeit. In einer zunehmend digitalen und abstrakten Welt gewinnt diese Haltung an Bedeutung.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDieses Gemälde bietet mehrere interessante Aspekte:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eOriginales Ölgemälde\u003c\/strong\u003e – Unikat, keine Reproduktion\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSigniert\u003c\/strong\u003e – Vom Künstler signiert\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003ePsychologisches Porträt\u003c\/strong\u003e – Mehr als nur ein Abbild\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eHandliches Format\u003c\/strong\u003e – 50 × 60 cm, perfekt für Wohnräume\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFigurative Malerei\u003c\/strong\u003e – Zeitgenössische Interpretation klassischer Tradition\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eInterkultureller Bezug\u003c\/strong\u003e – Südamerikanisches Motiv in deutscher Malerei\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003ePräsentation\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eEin Porträt wie \"Der alte Südamerikaner\" entfaltet seine Wirkung am besten in ruhiger Umgebung, wo der Betrachter Zeit hat, sich auf die Begegnung mit dem Porträtierten einzulassen. Geeignete Orte sind:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eWohnzimmer – als Gesprächsanlass\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eArbeitszimmer – für kontemplative Momente\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eGalerie oder Sammlung – als Beispiel zeitgenössischer Porträtmalerei\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eBibliothek – in Gesellschaft von Büchern und Geschichten\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eÜber den Künstler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eWeitere Informationen zu Walter Brusius finden Sie auf:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\u003ca href=\"http:\/\/www.walterbrusius.de\/\" target=\"_blank\"\u003ewww.walterbrusius.de\u003c\/a\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003ca href=\"https:\/\/de.wikipedia.org\/wiki\/Walter_Brusius\" target=\"_blank\"\u003eWikipedia\u003c\/a\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eIdeal für\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eLiebhaber figurativer Malerei\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSammler zeitgenössischer Porträtkunst\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMenschen, die Kunst mit psychologischer Tiefe schätzen\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eKenner deutscher Gegenwartsmalerei\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAlle, die sich für interkulturelle Begegnungen interessieren\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eEin Gesicht, eine Geschichte\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\"Der alte Südamerikaner\" ist mehr als ein Porträt – es ist eine Einladung zur Begegnung. Wer war dieser Mann? Was hat er erlebt? Welche Geschichten könnte er erzählen? Brusius gibt keine Antworten, sondern öffnet einen Raum für Fragen, für Empathie, für menschliche Verbindung.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\"Der alte Südamerikaner\" – Ein eindringliches Porträt von Walter Brusius, das von Leben, Würde und Menschlichkeit erzählt. Signiert, Unikat, 50 × 60 cm. Zeitgenössische Malerei mit klassischer Tiefe.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":44191187599628,"sku":"","price":1100.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/products\/IMG_9300.heic?v=1676891255"},{"product_id":"will-mcbride","title":"Will McBride – \"Markus Müllejans in casoli\" (ca. 1980)","description":"\u003ch2\u003eWill McBride – \"Markus Müllejans in casoli\" (ca. 1980)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEine eindringliche Porträtfotografie des legendären amerikanisch-deutschen Fotografen Will McBride: Der Silbergelatineabzug \"Markus Incasoli\" aus den frühen 1980er Jahren. Ein authentisches Zeugnis von McBrides humanistischer Fotografie und seinem einfühlsamen Blick auf Menschen.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eWill McBride – Chronist des menschlichen Lebens\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eWill McBride (1931-2015) war einer der bedeutendsten Fotografen der deutschen Nachkriegszeit. Der in den USA geborene Künstler kam 1956 nach Berlin und dokumentierte über Jahrzehnte das Leben in Deutschland – von der geteilten Stadt Berlin über die 68er-Bewegung bis zur Wiedervereinigung. Seine Arbeiten befinden sich in den Sammlungen des MoMA, der Berlinischen Galerie und vielen anderen renommierten Institutionen.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eMcBrides fotografische Philosophie\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eWill McBride war bekannt für seine direkte, unsentimentale und zugleich zutiefst menschliche Fotografie. Er fotografierte Menschen in ihrem Alltag, in intimen Momenten, ohne Voyeurismus, aber mit großer Empathie. Seine Arbeiten über Sexualität, Jugend und das alltägliche Leben waren oft kontrovers, aber immer von einem humanistischen Grundverständnis getragen.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\"Markus Incasoli\" – Ein Porträt der 1980er Jahre\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDieses Porträt entstand um 1980, in einer Zeit, als McBride bereits als einer der wichtigsten Fotografen Deutschlands etabliert war. Der Silbergelatineabzug zeigt McBrides charakteristische Handschrift: direkter Blick, natürliches Licht, keine Inszenierung – nur der Mensch vor der Kamera.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDie Technik des Silbergelatineabzugs\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDer Silbergelatineabzug ist die klassische Technik der analogen Schwarz-Weiß-Fotografie. Jeder Abzug wird im Fotolabor von Hand entwickelt, was ihm eine einzigartige Qualität verleiht – die Tiefe der Schwarztöne, die Nuancierung der Grautöne und die haptische Präsenz des Papiers machen jeden Silbergelatineabzug zu einem Unikat.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eFotograf: Will McBride (1931-2015)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: \"Markus Incasoli\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: ca. 1980\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTechnik: Silbergelatineabzug (Vintage Print)\u003cbr\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSigniert: Nicht signiert\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAuflage: Unbekannt\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eProvenienz: Von Galerie, Dokumentation vorhanden\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: Gut mit leichten Kratzern unten Mitte (für detaillierte Zustandsinformationen kontaktieren Sie uns gerne)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003ePreis: 3.000 €\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eProvenienz \u0026amp; Authentizität\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDiese Fotografie stammt aus einer Galerie und wird mit entsprechender Provenienz-Dokumentation geliefert. Dies ist besonders wichtig bei nicht signierten Arbeiten, da die Galerie-Provenienz die Authentizität des Werks bestätigt.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eVintage Print vs. Späterer Abzug\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eAls Vintage Print – also ein Abzug, der zeitnah zur Aufnahme (ca. 1980) entstanden ist – besitzt diese Fotografie besonderen Wert. Vintage Prints sind in der Regel seltener und begehrter als spätere Abzüge, da sie oft vom Fotografen selbst oder unter seiner Aufsicht im Labor entwickelt wurden.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eWill McBride-Fotografien sind begehrte Sammlerstücke, die die Geschichte der deutschen Nachkriegsfotografie dokumentieren. Diese Arbeit vereint mehrere wichtige Aspekte:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eBedeutender Fotograf\u003c\/strong\u003e – Will McBride zählt zu den wichtigsten Fotografen Deutschlands\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eVintage Print\u003c\/strong\u003e – Zeitgenössischer Abzug aus den 1980er Jahren\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSilbergelatine\u003c\/strong\u003e – Klassische analoge Technik mit einzigartiger Qualität\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGalerie-Provenienz\u003c\/strong\u003e – Authentizität dokumentiert\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eHistorisches Dokument\u003c\/strong\u003e – Zeugnis der 1980er Jahre\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eHumanistische Fotografie\u003c\/strong\u003e – McBrides charakteristischer Stil\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eZum Gedenken\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eMit dem Tod von Will McBride im Jahr 2015 endete das Leben eines Fotografen, der wie kaum ein anderer das Leben in Deutschland der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts dokumentierte. Seine Arbeiten sind heute wichtige historische Dokumente und zugleich zeitlose Zeugnisse menschlicher Würde.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eIdeal für\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eSammler deutscher Nachkriegsfotografie\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eLiebhaber humanistischer Fotografie\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eKenner von Will McBrides Werk\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSammler von Vintage Prints\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMuseen und institutionelle Sammlungen\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eZustand \u0026amp; Konservierung\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDie Fotografie weist leichte Kratzer unten in der Mitte auf – typische Alterungsspuren für einen Vintage Print aus den 1980er Jahren. Für detaillierte Informationen zum Zustand und hochauflösende Detailaufnahmen kontaktieren Sie uns gerne.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEine authentische Fotografie von Will McBride – ein Vintage Print aus den 1980er Jahren mit Galerie-Provenienz. Ein wichtiges Werk eines der bedeutendsten Fotografen der deutschen Nachkriegszeit.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":44191199199500,"sku":"","price":3000.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/products\/IMG_9342.heic?v=1677161318"},{"product_id":"kopie-von-walter-brusius-engel-zeigt-ein-bein","title":"Walter Brusius – \"Engel zeigt ein Bein\" (1999)","description":"\u003ch2\u003eWalter Brusius – \"Engel zeigt ein Bein\" (1999)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEin charmantes und humorvolles Gemälde des deutschen Künstlers Walter Brusius: \"Engel zeigt ein Bein\" aus dem Jahr 1999. Mit feinem Humor und malerischer Leichtigkeit verbindet Brusius religiöse Ikonografie mit menschlicher Koketterie – ein Werk, das zum Schmunzeln einlädt und zugleich die Tradition der Engelsdarstellung augenzwinkernd hinterfragt.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eWalter Brusius – Maler zwischen Tradition und Moderne\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eWalter Brusius ist ein deutscher Künstler, der sich in seinem Werk intensiv mit figurativer Malerei auseinandersetzt. Seine Arbeiten verbinden klassische Maltechniken mit zeitgenössischen Themen und einem feinen Sinn für Ironie. Brusius' Engel sind keine himmlischen Wesen aus dem Barock, sondern irdische Geschöpfe mit menschlichen Zügen und Schwächen.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\"Engel zeigt ein Bein\" – Himmlische Koketterie\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDer Titel ist Programm: Ein Engel, traditionell Symbol für Reinheit und Unschuld, zeigt kokett ein Bein – eine Geste, die eher an Pin-up-Girls als an religiöse Ikonografie erinnert. Brusius spielt mit den Erwartungen des Betrachters und schafft eine humorvolle Spannung zwischen sakraler Tradition und profaner Gegenwart.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDiese Verbindung von Heiligem und Profanem hat eine lange Tradition in der Kunstgeschichte – von den sinnlichen Engeln des Barock bis zu den ironischen Heiligendarstellungen der Moderne. Brusius setzt diese Tradition mit leichter Hand und einem Augenzwinkern fort.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eÖl auf Leinwand – Klassische Maltechnik\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDas Gemälde ist in Öl auf Leinwand ausgeführt – der klassischen Technik der europäischen Malerei. Ölfarben ermöglichen feine Farbübergänge, leuchtende Farben und eine haptische Präsenz, die Drucke oder digitale Reproduktionen nie erreichen können. Jeder Pinselstrich ist sichtbar, jede Farbschicht erzählt von der Entstehung des Werks.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eKünstler: Walter Brusius\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: \"Engel zeigt ein Bein\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: 1999\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTechnik: Öl auf Leinwand\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eFormat: 50 × 60 cm\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSigniert vom Künstler\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eUnikat (keine Edition)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: \"Sehr gut\" \u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003ePreis: 1.100 €\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eHumor in der Kunst\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eHumor ist in der zeitgenössischen Kunst oft unterschätzt. Während viele Künstler sich in Ernsthaftigkeit und Konzeptualität verlieren, wagt Brusius den leichten Ton – ohne dabei oberflächlich zu werden. \"Engel zeigt ein Bein\" ist humorvoll, aber nicht albern; ironisch, aber nicht zynisch; leicht, aber nicht belanglos.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDieses Gemälde bietet mehrere interessante Aspekte:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eOriginales Ölgemälde\u003c\/strong\u003e – Unikat, keine Reproduktion\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSigniert\u003c\/strong\u003e – Vom Künstler signiert\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eHandliches Format\u003c\/strong\u003e – 50 × 60 cm, perfekt für Wohnräume\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eHumorvolle Kunst\u003c\/strong\u003e – Bringt Leichtigkeit in jeden Raum\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFigurative Malerei\u003c\/strong\u003e – Zeitgenössische Interpretation klassischer Motive\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAttraktiver Preis\u003c\/strong\u003e – 1.100 € für ein originales Ölgemälde\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003ePräsentation\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eMit seinen Maßen von 50 × 60 cm ist \"Engel zeigt ein Bein\" ein mittelgroßes Format, das sich hervorragend für verschiedene Räume eignet:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eWohnzimmer – als charmanter Blickfang\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSchlafzimmer – für eine humorvolle Note\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eArbeitszimmer – um den Alltag aufzulockern\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eGalerie oder Sammlung – als Beispiel zeitgenössischer figurativer Malerei\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eÜber den Künstler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eWeitere Informationen zu Walter Brusius finden Sie auf:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\u003ca href=\"http:\/\/www.walterbrusius.de\/\" target=\"_blank\"\u003ewww.walterbrusius.de\u003c\/a\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003ca href=\"https:\/\/de.wikipedia.org\/wiki\/Walter_Brusius\" target=\"_blank\"\u003eWikipedia\u003c\/a\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eIdeal für\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eLiebhaber figurativer Malerei\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSammler zeitgenössischer deutscher Kunst\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMenschen mit Sinn für Humor in der Kunst\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eKenner ironischer Heiligendarstellungen\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAlle, die Kunst nicht zu ernst nehmen\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eEin Gemälde zum Schmunzeln\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eIn einer Kunstwelt, die oft von Ernsthaftigkeit und Konzeptualität dominiert wird, ist \"Engel zeigt ein Bein\" eine erfrischende Ausnahme. Es ist ein Werk, das zum Schmunzeln einlädt, ohne dabei an künstlerischer Qualität einzubüßen. Ein Engel, der ein Bein zeigt – himmlisch und irdisch zugleich.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\"Engel zeigt ein Bein\" – Ein charmantes Ölgemälde von Walter Brusius, das religiöse Ikonografie mit feinem Humor verbindet. Signiert, Unikat, 50 × 60 cm. Kunst, die Freude macht.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":44195885678860,"sku":"","price":1100.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/products\/IMG_9304.heic?v=1676891470"},{"product_id":"dragutin-trumbetas-mappenwerk-gastarbeiter","title":"Dragutin Trumbetas (1937-2018) – \"Gastarbeiter\" Mappenwerk (1999)","description":"\u003ch2\u003eDragutin Trumbetas (1937-2018) – \"Gastarbeiter\" Mappenwerk (1999)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEin bedeutendes zeithistorisches Dokument: Das Mappenwerk \"Gastarbeiter\" des kroatisch-deutschen Künstlers Dragutin Trumbetas aus dem Jahr 1999. Mit eindringlichen Lithografien und einem Text von Helmut Hartwig setzt sich dieses Werk mit einem der prägendsten Phänomene der deutschen Nachkriegsgeschichte auseinander.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDragutin Trumbetas – Künstler zwischen zwei Welten\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDragutin Trumbetas (1937-2018) war selbst Teil der Gastarbeiter-Generation, die in den 1960er und 70er Jahren nach Deutschland kam. Als Künstler verarbeitete er diese Erfahrung der Migration, des Fremdseins und der kulturellen Zerrissenheit in seinem Werk. Seine Arbeiten sind persönliche Zeugnisse und zugleich universelle Statements über Migration, Identität und Zugehörigkeit.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\"Gastarbeiter\" – Ein zeithistorisches Thema\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDas Mappenwerk \"Gastarbeiter\" entstand 1999, zu einer Zeit, als Deutschland begann, seine Geschichte als Einwanderungsland kritisch zu reflektieren. Trumbetas' Lithografien dokumentieren die Lebensrealität der \"Gastarbeiter\" – Menschen, die als temporäre Arbeitskräfte kamen und blieben, die Deutschland aufbauten und doch oft als Fremde behandelt wurden.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eMit Text von Helmut Hartwig\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDas Mappenwerk wird begleitet von einem Text des Autors Helmut Hartwig, der die künstlerische Arbeit kontextualisiert und vertieft. Diese Kombination von Bild und Text macht das Werk zu einem umfassenden künstlerischen Statement.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eKünstler: Dragutin Trumbetas (1937-2018)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: \"Gastarbeiter\" (Mappenwerk)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: 1999\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTechnik: Lithografien\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eFormat: 43 × 30 cm\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAuflage: 200 Exemplare\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNummerierung: 137\/200\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSigniert vom Künstler\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMit Text von Helmut Hartwig\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: Sehr gut\u003cbr\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eKunsthistorische und gesellschaftliche Bedeutung\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDieses Mappenwerk ist mehr als ein Kunstwerk – es ist ein historisches Dokument. Die \"Gastarbeiter\"-Generation prägte Deutschland nachhaltig, doch ihre Geschichten wurden lange Zeit kaum erzählt. Trumbetas gibt diesen Erfahrungen eine künstlerische Form und macht sie sichtbar.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eHeute, mehr als zwei Jahrzehnte nach Entstehung des Werks und nach dem Tod des Künstlers 2018, hat \"Gastarbeiter\" zusätzlich an historischer Bedeutung gewonnen. Es dokumentiert nicht nur die Gastarbeiter-Ära, sondern auch die künstlerische Auseinandersetzung damit in den 1990er Jahren.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDieses Mappenwerk ist ideal für:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eSammler zeitgenössischer deutscher Kunst mit sozialem Engagement\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eInstitutionen, die sich mit Migrationsgeschichte befassen\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMuseen und Archive zur deutschen Nachkriegsgeschichte\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eLiebhaber von Lithografien und Druckgrafik\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSammler, die Kunst mit gesellschaftlicher Relevanz schätzen\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eAktualität des Themas\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDas Thema Migration ist heute aktueller denn je. Trumbetas' Werk aus dem Jahr 1999 gewinnt in diesem Kontext zusätzliche Relevanz – es erinnert daran, dass Migration kein neues Phänomen ist, sondern Deutschland seit Jahrzehnten prägt.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eNachruf\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eMit dem Tod von Dragutin Trumbetas im Jahr 2018 endete das Leben eines Künstlers, der wie kaum ein anderer die Erfahrung der Migration künstlerisch verarbeitete. Seine Werke sind Vermächtnis und Mahnung zugleich.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEin bedeutendes Werk über ein zentrales Kapitel deutscher Geschichte – künstlerisch wertvoll, historisch relevant und von bleibender Aktualität.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":44196104503564,"sku":"","price":2890.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/products\/IMG_7266.heic?v=1676893153"},{"product_id":"esteban-fekete-holzschnitt","title":"Esteban Fekete – \"Akt Liegend \/ La Poule\" (1975)","description":"\u003ch2\u003eEsteban Fekete – \"Akt Liegend \/ La Poule\" (1975)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEin ausdrucksstarker Holzschnitt des ungarisch-französischen Künstlers Esteban Fekete: \"Akt Liegend \/ La Poule\" aus dem Jahr 1975. Mit kraftvoller Linienführung und expressiver Reduktion zeigt Fekete einen liegenden Akt – ein klassisches Motiv der Kunstgeschichte, interpretiert in der rohen, unmittelbaren Sprache des Holzschnitts.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eEsteban Fekete – Zwischen Ungarn und Frankreich\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eEsteban Fekete (1924-2009) war ein ungarisch-französischer Künstler, der sich intensiv mit der Druckgrafik, insbesondere dem Holzschnitt, auseinandersetzte. Seine Arbeiten verbinden die expressionistische Tradition Mitteleuropas mit der französischen Moderne – eine kulturelle Synthese, die sein Werk besonders macht.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\"Akt Liegend \/ La Poule\" – Ein klassisches Motiv\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDer liegende Akt ist eines der ältesten Motive der Kunstgeschichte – von der Venus von Urbino über Goyas Maja bis zu Modiglianis Akten. Fekete interpretiert dieses klassische Thema in der reduzierten, kraftvollen Sprache des Holzschnitts. Die französische Bezeichnung \"La Poule\" (das Huhn) fügt eine ironische, möglicherweise provokante Note hinzu.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDie Technik des Holzschnitts\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDer Holzschnitt ist eine der ältesten Drucktechniken und erfordert großes handwerkliches Können. Der Künstler schneidet das Motiv spiegelverkehrt in eine Holzplatte – was weggeschnitten wird, bleibt weiß, was stehen bleibt, wird schwarz gedruckt. Diese Technik erzwingt eine radikale Reduktion auf das Wesentliche und verleiht dem Holzschnitt seine charakteristische Kraft und Unmittelbarkeit.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e1975 – Zwischen Tradition und Moderne\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDas Jahr 1975 war eine Zeit, in der viele Künstler zu traditionellen Techniken wie dem Holzschnitt zurückkehrten – als Gegenbewegung zur zunehmenden Konzeptualisierung der Kunst. Feketes Arbeit steht in dieser Tradition der Wiederentdeckung handwerklicher Qualität.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eKünstler: Esteban Fekete (1924-2009)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: \"Akt Liegend \/ La Poule\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: 1975\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTechnik: Holzschnitt auf Papier\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eBlattmaß: 42 × 30 cm\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eBildmaß: 24 × 35 cm\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAuflage: 1000 Exemplare\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNummerierung: 8334\/1000\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSigniert von Esteban Fekete\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: Sehr gut\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003ePreis: 110 €\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eDemokratische Auflage\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eMit einer Auflage von 1000 Exemplaren folgt Fekete dem demokratischen Ideal der Druckgrafik: Kunst soll für viele Menschen zugänglich sein, nicht nur für eine Elite. Die hohe Nummerierung (8334\/1000) deutet darauf hin, dass möglicherweise mehrere Auflagen gedruckt wurden oder eine spezielle Nummerierung verwendet wurde.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDieser Holzschnitt bietet mehrere interessante Aspekte:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eKlassisches Motiv\u003c\/strong\u003e – Der liegende Akt in moderner Interpretation\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTraditionelle Technik\u003c\/strong\u003e – Handwerklich anspruchsvoller Holzschnitt\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSigniert und nummeriert\u003c\/strong\u003e – Authentizität gesichert\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSehr guter Zustand\u003c\/strong\u003e – Fast 50 Jahre alt und hervorragend erhalten\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eKulturelle Synthese\u003c\/strong\u003e – Ungarisch-französische Kunsttradition\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003ePräsentation\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eMit einem Blattmaß von 42 × 30 cm und einem Bildmaß von 24 × 35 cm eignet sich dieser Holzschnitt hervorragend für die Rahmung. Der großzügige Rand (Passepartout-Effekt) betont die Qualität des Drucks und ermöglicht eine elegante Präsentation.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDer Holzschnitt in der Kunstgeschichte\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDer Holzschnitt hat eine lange und ehrwürdige Geschichte – von Albrecht Dürer über die Expressionisten (Kirchner, Heckel, Schmidt-Rottluff) bis zu zeitgenössischen Künstlern. Feketes Arbeit steht in dieser Tradition und zeigt, dass der Holzschnitt auch in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts nichts von seiner Ausdruckskraft verloren hat.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eIdeal für\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eLiebhaber von Druckgrafik und Holzschnitten\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSammler figurativer Kunst\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eKenner der ungarisch-französischen Kunstszene\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEinsteiger in die Kunstsammlung (erschwinglicher Preis)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAlle, die klassische Motive in moderner Interpretation schätzen\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eEin Stück Kunsthandwerk\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eIn einer Zeit digitaler Reproduktion ist ein handgedruckter Holzschnitt ein besonderes Objekt. Jeder Druck ist ein Unikat – minimale Unterschiede in Farbauftrag und Druck machen jedes Exemplar einzigartig, auch innerhalb der Auflage.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\"Akt Liegend \/ La Poule\" – Ein ausdrucksstarker Holzschnitt von Esteban Fekete aus dem Jahr 1975. Signiert, nummeriert 8334\/1000, in sehr gutem Zustand. Klassisches Motiv in kraftvoller Interpretation .\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":44215667622156,"sku":"","price":110.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/products\/IMG_9347.heic?v=1677162708"},{"product_id":"wolf-vostell-olympia-i","title":"Wolf Vostell – \"Olympia I\" (1972)","description":"\u003ch2\u003eWolf Vostell – \"Olympia I\" (1972)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEin ikonisches Werk eines der wichtigsten deutschen Fluxus-Künstler: Die Farbserigrafie \"Olympia I\" von Wolf Vostell aus dem Jahr 1972. Entstanden im Kontext der Olympischen Spiele in München, ist dieses Werk eine charakteristische Verbindung von Massenmedien, politischer Kritik und künstlerischer Innovation.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eWolf Vostell – Pionier von Fluxus und Happening\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eWolf Vostell (1932-1998) war einer der bedeutendsten deutschen Künstler der Nachkriegszeit und ein Pionier der Fluxus-Bewegung. Zusammen mit Nam June Paik gilt er als Begründer der Video-Kunst. Seine Arbeiten – von Happenings über Décollage bis zu Environments – hinterfragten radikal die Grenzen zwischen Kunst und Leben, zwischen Hochkultur und Massenmedien. Vostells Werke befinden sich in den Sammlungen des MoMA, Centre Pompidou, Tate Modern und vielen anderen führenden Museen weltweit.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\"Olympia I\" – Kunst und Massenspektakel\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\"Olympia I\" entstand 1972, im Jahr der Olympischen Sommerspiele in München – ein Ereignis, das durch das Attentat auf israelische Athleten tragisch in die Geschichte einging. Vostells Arbeit reflektiert die Ambivalenz von Olympia als Friedenssymbol und Massenspektakel, als sportliches Ideal und mediales Event.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDie Serigrafie zeigt Vostells charakteristische Technik der Überblendung und Überlagerung von Bildern – eine visuelle Strategie, die er aus seiner Décollage-Praxis entwickelte. Massenmediale Bilder werden dekonstruiert, verfremdet und neu zusammengesetzt.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e1972 – Ein Schicksalsjahr\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDas Jahr 1972 war geprägt von:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eDen Olympischen Spielen in München (26. August - 11. September)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eDem Attentat auf israelische Athleten (5. September)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eKaltem Krieg und Entspannungspolitik\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eWachsender Medienkritik und Konsumgesellschaft\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003eVostells \"Olympia I\" ist ein Zeitdokument dieser komplexen historischen Situation.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDie Technik der Serigrafie\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDie Farbserigrafie (Siebdruck) war eine bevorzugte Technik der Pop Art und Fluxus-Bewegung. Sie ermöglichte die Reproduktion von Bildern in leuchtenden Farben und war zugleich demokratisch – Auflagen konnten zu erschwinglichen Preisen produziert werden. Vostell nutzte die Serigrafie, um massenmediale Bilder künstlerisch zu verarbeiten.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eKünstler: Wolf Vostell (1932-1998)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: \"Olympia I\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: 1972\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTechnik: Farbserigrafie auf dünnem Karton\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eFormat: 69 × 49 cm\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAuflage: 100 Exemplare\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNummerierung: 68\/100\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSigniert von Wolf Vostell\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: Sehr gut\u003cbr\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eWolf Vostell und Fluxus\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eFluxus war eine internationale Kunstbewegung der 1960er und 70er Jahre, die die Grenzen zwischen Kunst und Leben auflösen wollte. Vostell war einer der wichtigsten europäischen Vertreter und organisierte zahlreiche Happenings und Aktionen. Seine Arbeiten sind geprägt von:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eMedienkritik und Konsumkritik\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eVerwendung von Alltagsmaterialien und Massenmedien\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003ePolitischem Engagement\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eGrenzüberschreitung zwischen den Künsten\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDiese Serigrafie vereint mehrere wichtige Aspekte:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eBedeutender Künstler\u003c\/strong\u003e – Wolf Vostell ist einer der wichtigsten deutschen Nachkriegskünstler\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eHistorischer Kontext\u003c\/strong\u003e – Olympia München 1972, ein Schlüsselereignis der deutschen Geschichte\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSigniert und nummeriert\u003c\/strong\u003e – 68\/100, authentisch dokumentiert\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSehr guter Zustand\u003c\/strong\u003e – Über 50 Jahre alt und hervorragend erhalten\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFluxus-Bewegung\u003c\/strong\u003e – Teil einer der wichtigsten Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eInvestition in Kunstgeschichte\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eWolf Vostell-Arbeiten sind begehrte Sammlerstücke, deren Wert kontinuierlich steigt. Als Pionier von Fluxus, Happening und Video-Kunst hat Vostell die Kunstgeschichte nachhaltig geprägt. \"Olympia I\" bietet einen erschwinglichen Einstieg in das Werk dieses bedeutenden Künstlers.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eIdeal für\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eSammler deutscher Nachkriegskunst\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eLiebhaber von Fluxus und Konzeptkunst\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eKenner von Wolf Vostells Werk\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSammler von Serigrafien und Druckgrafik\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eInteressierte an der Geschichte der Olympischen Spiele 1972\u003cbr\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003ePräsentation\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eMit seinen Maßen von 69 × 49 cm ist \"Olympia I\" ein mittelgroßes Format, das sich hervorragend für Wohnräume, Büros oder Galerien eignet. Die leuchtenden Farben der Serigrafie kommen am besten in gerahmter Form zur Geltung.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\"Olympia I\" – Eine bedeutende Farbserigrafie von Wolf Vostell aus dem Jahr 1972. Signiert, nummeriert 68\/100, in sehr gutem Zustand. Ein Zeitdokument der Olympischen Spiele München und ein Hauptwerk der Fluxus-Bewegung – zum erschwinglichen Preis von 360 €.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":44215696032012,"sku":"","price":400.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/products\/IMG_9362.heic?v=1767608800"},{"product_id":"walter-brusius-serie-an-collagen-31-stuck","title":"Walter Brusius – Serie von 31 Collagen (2006)","description":"\u003ch2\u003eWalter Brusius – Serie von 31 Collagen (2006)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEin außergewöhnliches Konvolut: 31 originale Collagen des deutschen Künstlers Walter Brusius aus dem Jahr 2006. Jede Arbeit ist ein Unikat, signiert und Teil einer zusammenhängenden Serie – ein seltenes Angebot für Sammler, die einen umfassenden Einblick in Brusius' künstlerische Praxis erhalten möchten.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eWalter Brusius – Meister der Collage\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eWalter Brusius ist ein deutscher Künstler, der sich intensiv mit der Technik der Collage auseinandersetzt. Seine Arbeiten verbinden gefundenes Material, Zeitungsausschnitte, Fotografien und andere Papiere zu vielschichtigen Kompositionen, die zwischen Abstraktion und Narration oszillieren. Brusius' Collagen sind poetische Assemblagen, die Zeitgeschichte, persönliche Erinnerung und formale Experimente miteinander verweben.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDie Serie von 2006\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDiese 31 Collagen entstanden im Jahr 2006 als zusammenhängende Serie. Serien sind in der Kunst von besonderer Bedeutung, da sie es dem Künstler ermöglichen, ein Thema oder eine Technik systematisch zu erforschen und zu variieren. Jede Collage ist ein eigenständiges Werk, doch zusammen bilden sie ein faszinierendes Ganzes, das Brusius' künstlerische Bandbreite und Arbeitsweise dokumentiert.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eKünstler: Walter Brusius\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: Serie von 31 Collagen\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: 2006\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAnzahl: 31 Unikate\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTechnik: Collage auf Papier\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eFormat: Je 21 × 30 cm (DIN A4)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSignatur: Alle Arbeiten signiert\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: \"Sehr gut\" \u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eDie Technik der Collage\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDie Collage ist eine der wichtigsten künstlerischen Techniken des 20. und 21. Jahrhunderts. Von den Kubisten über die Dadaisten bis zu zeitgenössischen Künstlern wie Brusius – die Collage ermöglicht es, unterschiedliche Realitätsebenen zu kombinieren, Bedeutungen zu verschieben und neue visuelle Zusammenhänge zu schaffen. Brusius nutzt diese Technik mit großer Sensibilität für Material, Komposition und Bedeutung.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDiese Serie bietet eine einzigartige Gelegenheit:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003e31 Unikate\u003c\/strong\u003e – Jede Collage ist ein Einzelstück, keine Reproduktion\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eZusammenhängende Serie\u003c\/strong\u003e – Seltene Möglichkeit, eine komplette Werkserie zu erwerben\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eHandliches Format\u003c\/strong\u003e – DIN A4 (21 × 30 cm) eignet sich perfekt für Präsentation und Lagerung\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eAttraktiver Preis\u003c\/strong\u003e – Ca. 145 € pro Unikat bei Kauf der gesamten Serie\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDokumentiertes Werk\u003c\/strong\u003e – Alle Arbeiten signiert und datiert\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003ePräsentationsmöglichkeiten\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDie Serie kann auf verschiedene Weisen präsentiert werden:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eAls Salon-Hängung (alle 31 Arbeiten zusammen an einer Wand)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eIn wechselnder Auswahl (verschiedene Kombinationen zu unterschiedlichen Zeiten)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eIn Portfoliomappen (professionelle Archivierung)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEinzeln gerahmt als Sammlung\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eÜber den Künstler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eWeitere Informationen zu Walter Brusius finden Sie auf seiner Website: \u003ca href=\"http:\/\/www.walterbrusius.de\/\" target=\"_blank\"\u003ewww.walterbrusius.de\u003c\/a\u003e und auf \u003ca href=\"https:\/\/de.wikipedia.org\/wiki\/Walter_Brusius\" target=\"_blank\"\u003eWikipedia\u003c\/a\u003e.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eIdeal für\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eSammler zeitgenössischer deutscher Kunst\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eLiebhaber von Collagen und Papierarbeiten\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eInstitutionen und Galerien\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eKunstliebhaber, die eine umfassende Werkserie erwerben möchten\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEine seltene Gelegenheit, 31 originale Unikate eines deutschen Künstlers als zusammenhängende Serie zu erwerben – ein faszinierendes Ensemble zeitgenössischer Collage-Kunst.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":44215810687244,"sku":"","price":4500.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/products\/3D354EC8-9447-4B7A-BF86-493A318F5906.jpg?v=1677164270"},{"product_id":"will-mcbride-1","title":"Will McBride – \"Christoph killed by T.V.\" (ca. 1980)","description":"\u003ch2\u003eWill McBride – \"Christoph killed by T.V.\" (ca. 1980)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEine der provokantesten und gesellschaftskritischsten Arbeiten des legendären Fotografen Will McBride: \"Christoph killed by T.V.\" aus den frühen 1980er Jahren. Diese eindringliche Fotografie ist eine radikale Kritik an der Fernsehkultur und ihren Auswirkungen auf Kinder – ein Thema, das heute, im Zeitalter von Smartphones und Social Media, aktueller ist denn je.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eWill McBride – Provokateur und Humanist\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eWill McBride (1931-2015) war einer der bedeutendsten Fotografen der deutschen Nachkriegszeit. Der in den USA geborene Künstler kam 1956 nach Berlin und dokumentierte über Jahrzehnte das Leben in Deutschland. McBride war bekannt für seine kompromisslose, oft kontroverse Fotografie, die gesellschaftliche Tabus hinterfragte und Missstände anprangerte.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\"Christoph killed by T.V.\" – Eine radikale Medienkritik\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDer Titel ist Programm: \"Christoph killed by T.V.\" (Christoph getötet vom Fernsehen) ist eine schonungslose Anklage gegen die Fernsehkultur der 1980er Jahre. McBride thematisiert die Auswirkungen exzessiven Fernsehkonsums auf Kinder – ein Thema, das in den 1980er Jahren heftig diskutiert wurde, als das Fernsehen zum dominierenden Medium wurde.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDie Arbeit ist typisch für McBrides direkte, ungeschönte Bildsprache: keine Beschönigung, keine Kompromisse, nur die schonungslose Wahrheit über gesellschaftliche Realitäten.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eHistorischer Kontext: Die 1980er Jahre\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDie frühen 1980er Jahre waren geprägt von:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eDer Ausbreitung des Privatfernsehens in Deutschland\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eDebatten über Medienkonsum und Kinderschutz\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eWachsender Kritik an Gewalt und Kommerzialisierung im Fernsehen\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eErsten wissenschaftlichen Studien über TV-Konsum bei Kindern\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003eMcBrides Arbeit war Teil dieser gesellschaftlichen Debatte – Kunst als politisches Statement.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eAktualität im digitalen Zeitalter\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eHeute, über 40 Jahre nach Entstehung dieser Arbeit, hat \"Christoph killed by T.V.\" eine erschreckende Aktualität gewonnen. Was damals das Fernsehen war, sind heute Smartphones, Tablets und Social Media. McBrides Kritik ist zeitloser denn je – ein Mahnmal gegen unkontrollierten Medienkonsum.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eFotograf: Will McBride (1931-2015)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: \"Christoph killed by T.V.\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: ca. 1980\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTechnik: Print auf Aludibond (moderne Präsentation)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eFormat: \u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSigniert: Nicht signiert\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAuflage: Unbekannt\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eProvenienz: Von Galerie, Dokumentation vorhanden\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: Leichte Anstöße an den Kanten\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003ePreis: 5.000 €\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003ePrint auf Aludibond – Moderne Präsentation\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDie Fotografie ist auf Aludibond (Aluminium-Verbundplatte) kaschiert – eine moderne, hochwertige Präsentationsform, die der Arbeit Stabilität und eine edle Anmutung verleiht. Aludibond-Prints sind langlebig, UV-beständig und benötigen keinen zusätzlichen Rahmen.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eProvenienz \u0026amp; Authentizität\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDie Arbeit stammt aus einer Galerie und wird mit entsprechender Provenienz-Dokumentation geliefert. Dies ist besonders wichtig bei nicht signierten Arbeiten, da die Galerie-Provenienz die Authentizität bestätigt.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDiese Arbeit vereint mehrere außergewöhnliche Aspekte:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGesellschaftskritik\u003c\/strong\u003e – Radikale Medienkritik mit zeitloser Aktualität\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eWill McBride\u003c\/strong\u003e – Einer der wichtigsten Fotografen der deutschen Nachkriegszeit\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProvokantes Thema\u003c\/strong\u003e – Kontroverse, unbequeme Kunst\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eHistorisches Dokument\u003c\/strong\u003e – Zeugnis der Mediendebatten der 1980er Jahre\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eModerne Präsentation\u003c\/strong\u003e – Hochwertiger Print auf Aludibond\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGalerie-Provenienz\u003c\/strong\u003e – Authentizität gesichert\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eZeitlose Relevanz\u003c\/strong\u003e – Im digitalen Zeitalter aktueller denn je\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eZum Gedenken an Will McBride (1931-2015)\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eMit dem Tod von Will McBride im Jahr 2015 endete das Leben eines Fotografen, der wie kaum ein anderer den Mut hatte, unbequeme Wahrheiten auszusprechen. Seine Arbeiten sind heute wichtiger denn je – als Mahnmal, als Zeitdokument, als Kunst.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eIdeal für\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eSammler gesellschaftskritischer Fotografie\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eLiebhaber von Will McBrides Werk\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eKenner von Medienkritik und politischer Kunst\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eInstitutionen, die sich mit Medienbildung befassen\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSammler provokanter, unbequemer Kunst\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMuseen und Bildungseinrichtungen\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003ePräsentation\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eAls Print auf Aludibond kann die Arbeit direkt an die Wand gehängt werden – kein Rahmen notwendig. Die moderne Präsentationsform unterstreicht die zeitlose Aktualität der Arbeit.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eEin Statement für heute\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eIn einer Zeit, in der Kinder durchschnittlich mehrere Stunden täglich vor Bildschirmen verbringen, ist \"Christoph killed by T.V.\" aktueller denn je. McBrides Arbeit ist nicht nur Kunst, sondern auch Mahnung – ein visuelles Statement gegen unkritischen Medienkonsum.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\"Christoph killed by T.V.\" – Eine radikale Medienkritik von Will McBride aus den 1980er Jahren, die heute erschreckend aktuell ist. Provokant, unbequem, notwendig. Mit Galerie-Provenienz, auf hochwertigem Aludibond.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":44217039651084,"sku":"","price":5000.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/products\/IMG_5820.heic?v=1677180412"},{"product_id":"antonio-dias-some-artists-do-some-not-1974","title":"Antonio Dias – \"Some artists do some not\" (1974)","description":"\u003ch2\u003eAntonio Dias – \"Some artists do some not\" (1974)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eFirst Edition – Softcover – Limited Edition\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEin seltenes Künstlerbuch eines der wichtigsten brasilianischen Konzeptkünstler: \"Some artists do some not\" von Antonio Dias, erschienen 1974 bei Edizioni Nuovi Strumenti Arte Contemporanea in Brescia, Italien. Limitierte Auflage von nur 1.200 Exemplaren.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eAntonio Dias – Pionier der brasilianischen Konzeptkunst\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eAntonio Dias (1944-2018) war einer der bedeutendsten brasilianischen Künstler der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Geboren in Campina Grande, Paraíba, zog er 1957 nach Rio de Janeiro, wo er Teil der brasilianischen Neoavantgarde wurde.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eIn den 1960er Jahren entwickelte Dias eine kritische künstlerische Sprache, die sich mit politischer Gewalt, Zensur und den Mechanismen der Macht auseinandersetzte. 1968 verließ er Brasilien während der Militärdiktatur und lebte zunächst in Mailand, später in Köln und Nepal, bevor er nach Rio de Janeiro zurückkehrte.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDias' Werk umfasst Malerei, Zeichnung, Druckgrafik, Installation und Künstlerbücher. Er war ein Pionier der Konzeptkunst in Lateinamerika und nahm an wichtigen internationalen Ausstellungen teil, darunter mehrfach an der documenta in Kassel (1972, 1977, 1997) und der Biennale von Venedig.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\"Some artists do some not\" – Konzeptkunst als Buch\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDieses Künstlerbuch aus dem Jahr 1974 entstand während Dias' europäischer Exilzeit in Italien. Es dokumentiert seine konzeptuellen Arbeiten und Performances durch Strichzeichnungen und Schwarz-Weiß-Fotografien. Der Titel \"Some artists do some not\" spielt ironisch mit der Frage nach künstlerischer Praxis und Autorschaft – zentrale Themen der Konzeptkunst der 1970er Jahre.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDas Buch ist charakteristisch für Dias' analytischen Ansatz, der die Bedingungen künstlerischer Produktion selbst zum Gegenstand der Kunst macht. Es verbindet visuelle Elemente mit konzeptuellen Fragestellungen und ist ein wichtiges Dokument der internationalen Konzeptkunst-Bewegung.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eKünstler: Antonio Dias (1944-2018)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: \"Some artists do some not\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: 1974\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eVerlag: Edizioni Nuovi Strumenti Arte Contemporanea, Brescia, Italien\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eFormat: 22 × 17 cm\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEinband: Softcover mit Schwarz-Weiß-Fotografie auf dem Cover\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eInhalt: Vollständig illustriert mit Strichzeichnungen und Schwarz-Weiß-Fotografien von Werken und Performances\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAuflage: 1.200 Exemplare\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEdition: First Edition\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: Ecken mit leichten Gebrauchsspuren, insgesamt sauber und vollständig, schönes Exemplar\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003ePreis: 300 €\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eKunsthistorischer Kontext\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e1974 war ein wichtiges Jahr für die internationale Konzeptkunst. Künstlerbücher hatten sich als eigenständiges Medium etabliert, das die Demokratisierung der Kunst und die Kritik am Kunstmarkt vorantrieb. Dias' Arbeit in Italien brachte ihn in Kontakt mit der europäischen Avantgarde und ermöglichte ihm, seine kritische Praxis außerhalb der brasilianischen Zensur fortzusetzen.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDas Buch erschien bei Edizioni Nuovi Strumenti Arte Contemporanea, einem wichtigen Verlag für zeitgenössische Kunst in Italien, der sich auf experimentelle und konzeptuelle Publikationen spezialisiert hatte.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDieses Werk bietet mehrere interessante Aspekte für Sammler:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eBedeutender Künstler\u003c\/strong\u003e – Antonio Dias zählt zu den wichtigsten lateinamerikanischen Künstlern des 20. Jahrhunderts\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirst Edition\u003c\/strong\u003e – Originalausgabe von 1974\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eLimitierte Auflage\u003c\/strong\u003e – Nur 1.200 Exemplare\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eDocumenta-Künstler\u003c\/strong\u003e – Dias nahm dreimal an der documenta teil (1972, 1977, 1997)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eKonzeptkunst-Dokument\u003c\/strong\u003e – Wichtiges Zeugnis der internationalen Konzeptkunst der 1970er Jahre\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eExil-Periode\u003c\/strong\u003e – Entstanden während Dias' europäischem Exil unter der brasilianischen Militärdiktatur\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGuter Zustand\u003c\/strong\u003e – Über 50 Jahre alt, vollständig und sauber\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eKünstlerbuch\u003c\/strong\u003e – Eigenständiges künstlerisches Medium, nicht nur Dokumentation\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eInstitutionelle Anerkennung\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eAntonio Dias' Werke befinden sich in bedeutenden internationalen Sammlungen:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eMuseum of Modern Art (MoMA), New York\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTate Modern, London\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eCentre Pompidou, Paris\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMuseo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMuseu de Arte Moderna do Rio de Janeiro\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003ePinacoteca do Estado de São Paulo\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eVersand\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eVersand auf Anfrage – bitte kontaktieren Sie uns für individuelle Versandkosten.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eWikipedia-Artikel\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eMehr über den Künstler: \u003ca rel=\"noopener noreferrer\" href=\"https:\/\/de.wikipedia.org\/wiki\/Antonio_Dias_(K%C3%BCnstler)\" target=\"_blank\"\u003eAntonio Dias auf Wikipedia\u003c\/a\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEin seltenes Künstlerbuch eines documenta-Künstlers – konzeptuell bedeutsam, historisch relevant, sammlungswürdig.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49319481049356,"sku":"","price":300.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/5p-A.Dias-someartistsdo1.jpg?v=1725779705"},{"product_id":"donald-judd-architektur-1989-first-edition-handsigned-by-donald-judd-hardcover","title":"Donald Judd: Architektur 1989, First Edition -HANDSIGNED- by Donald JUDD - Hardcover","description":"\u003cdiv class=\"\"\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003eDonald Judd: Architektur 1989\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eFirst Edition -\u003cstrong\u003eHANDSIGNED\u003c\/strong\u003e- \u003cstrong\u003eby Donald JUDD\u003c\/strong\u003e - Hardcover\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDonald Judd, Marianne Stockebrand, Brigitte Kalthoff, Ulrike Schubert\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePublished by Westfälischer Kunstverein Münster, Germany, 1989.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e21.5 x 15 cm, Exhibition catalogue (Hardcover) published in conjunction with show held at the Westfälischen Kunstverein Münster, Germany, April 16 - June 4, 1989. Introduction by Marianne Stockebrand, with numerous texts by Donald Judd including: \"101 Spring Street;\" \"Arroyo Grande;\" \"Casa Lujan und La Catorcena;\" \"Sequence of Pools;\" \"Horti conclusi;\" \"Ayala de Chinati;\" \"Statement for the Chinati Foundation;\" \"Artillery Sheds;\" \"Chamberlain Building;\" \"Arena;\" \"Concrete Building;\" \"Arena;\" \"Concrete Buildings;\" \"Exhibition Space;\" \"La Misión del Sagrado Corazón;\" \"Providence;\" \"Cleveland;\" \"Eichholteren;\" \"Sezession;\" \"Belley;\" \"On Furniture;\" \"Twentieth-Century Engineering;\" \"On Installation;\" \"Art and Architecture, 1983;\" \"A long discussion not about masterpieces but why there are so few of them Part I;\" \"Art and Architecture, 1984;\" \"Symmetry;\" \"Art and Architecture, 1985\" \"Art and Architecture, 1987\" and \"In addition – For Example.\"\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eWith short inclusions by Brigitte Kalthoff and Ulrike Schubert. Includes bibliography.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e— Shipping on request —\u003cbr\u003ePlease ask us for individual shipping costs Texts in English and German.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eUsed condition, unmarked, on the backside liquid stain, else good, complete.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003c\/div\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49319512867084,"sku":"","price":0.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/1p-D.Judd-architektur1.jpg?v=1725782130"},{"product_id":"annette-messager-collectionneuse-25-april-2-june-1974-first-edition-softcover","title":"Annette Messager:  Collectionneuse (25 April-2 June 1974) First Edition – Softcover","description":"\u003ch2\u003eAnnette Messager – \"Collectionneuse\" (25. April - 2. Juni 1974)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eFirst Edition – Softcover – Rare Exhibition Catalogue\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEin seltener Ausstellungskatalog einer der bedeutendsten französischen Künstlerinnen der Gegenwart: \"Messager Collectionneuse\" zur ersten Einzelausstellung von Annette Messager in einem großen französischen Museum – dem Musée d'art moderne de la Ville de Paris, 1974.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eAnnette Messager – Grande Dame der französischen Gegenwartskunst\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eAnnette Messager (*1943 in Berck-sur-Mer, Frankreich) zählt zu den einflussreichsten zeitgenössischen Künstlerinnen weltweit. Seit den frühen 1970er Jahren entwickelt sie ein vielschichtiges Werk, das Fotografie, Textilien, Zeichnung, Installation und Performance vereint.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eMessager ist bekannt für ihre subversiven, oft humorvollen Auseinandersetzungen mit Geschlechterrollen, Identität, Körperbildern und gesellschaftlichen Konventionen. Ihre Arbeiten verbinden persönliche Obsessionen mit universellen Themen und schaffen eine einzigartige künstlerische Sprache zwischen Intimität und Provokation.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eFür ihr Lebenswerk wurde sie mit zahlreichen internationalen Auszeichnungen geehrt, darunter der Goldene Löwe der Biennale von Venedig (2005) und der Praemium Imperiale (2016) – einer der renommiertesten Kunstpreise weltweit.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\"Messager Collectionneuse\" – Die Künstlerin als Sammlerin\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDiese Ausstellung von 1974 im Musée d'art moderne de la Ville de Paris war Messagers erste große Museumsausstellung in Frankreich – ein Meilenstein in ihrer Karriere. Der Katalog dokumentiert ihre frühen \"Sammlungen\" (Collections), die zu ihren ikonischsten Werkgruppen zählen:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\"Babies with eyes crossed out\" – Babys mit durchgestrichenen Augen\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\"How my friends would draw my portrait\" – Wie meine Freunde mein Porträt zeichnen würden\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\"Voluntary torture\" – Freiwillige Folter\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\"Bodyguards\" – Leibwächter\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\"My jealousy\" – Meine Eifersucht\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\"My needlework\" – Meine Handarbeiten\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\"My clichés temoins\" – Meine Beweis-Klischees\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\"Collection to find my best signature\" – Sammlung, um meine beste Signatur zu finden\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003eDiese \"Sammlungen\" sind obsessive Archive persönlicher und gefundener Bilder, die Messager zu verstörenden, humorvollen und tiefgründigen Kommentaren über weibliche Identität, gesellschaftliche Erwartungen und die Konstruktion des Selbst verdichtet.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eKünstlerin: Annette Messager (*1943)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: \"Messager Collectionneuse\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAusstellung: 25. April - 2. Juni 1974\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eOrt: Musée d'art moderne de la Ville de Paris\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: 1974\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eVerlag: Musée d'art moderne de la Ville de Paris\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eFormat: 21 × 15 cm\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEinband: Softcover\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eInhalt: 12 Blätter mit Schwarz-Weiß-Abbildungen\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEdition: First Edition\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: Gebraucht, unbeschriftet, vollständig, mit geringen Gebrauchsspuren, kleine Delle oben vorne\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSeltenheit: Sehr selten\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003ePreis: 250 €\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eKunsthistorischer Kontext\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e1974 war ein entscheidendes Jahr für die feministische Kunstbewegung in Frankreich. Künstlerinnen wie Annette Messager, ORLAN und Gina Pane begannen, mit radikalen künstlerischen Strategien patriarchale Strukturen zu hinterfragen. Messagers \"Collections\" waren Teil dieser Bewegung – sie verwandelte traditionell \"weibliche\" Praktiken wie Sammeln, Handarbeiten und Tagebuchführen in subversive künstlerische Akte.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDie Tatsache, dass das Musée d'art moderne de la Ville de Paris – eines der wichtigsten Museen für moderne Kunst in Frankreich – Messager bereits 1974 eine Einzelausstellung widmete, zeigt die frühe Anerkennung ihrer radikalen künstlerischen Position.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDieser Katalog bietet mehrere interessante Aspekte für Sammler:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eBedeutende Künstlerin\u003c\/strong\u003e – Goldener Löwe Venedig 2005, Praemium Imperiale 2016\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFirst Edition\u003c\/strong\u003e – Originalausgabe von 1974\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eErste Museumsausstellung\u003c\/strong\u003e – Meilenstein in Messagers Karriere\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSehr selten\u003c\/strong\u003e – Frühe Kataloge von Messager sind schwer zu finden\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eFeministische Kunstgeschichte\u003c\/strong\u003e – Wichtiges Dokument der 1970er Jahre\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eIkonische Werkgruppe\u003c\/strong\u003e – Die \"Collections\" zählen zu Messagers bekanntesten Arbeiten\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eGuter Zustand\u003c\/strong\u003e – Über 50 Jahre alt, vollständig und unbeschriftet\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eMuseumsherausgabe\u003c\/strong\u003e – Publiziert vom Musée d'art moderne de la Ville de Paris\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eInstitutionelle Anerkennung\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eAnnette Messagers Werke befinden sich in den bedeutendsten Museen weltweit:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eMuseum of Modern Art (MoMA), New York\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eCentre Pompidou, Paris\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTate Modern, London\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eGuggenheim Museum, New York\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMusée d'art moderne de la Ville de Paris\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eStedelijk Museum, Amsterdam\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eAuszeichnungen (Auswahl)\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e2016: Praemium Imperiale für Malerei\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e2005: Goldener Löwe für den besten nationalen Pavillon, Biennale von Venedig\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e2003: Roswitha Haftmann-Preis\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e1989: Preis der Biennale von São Paulo\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eVersand\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eVersand auf Anfrage – bitte kontaktieren Sie uns für individuelle Versandkosten.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eWikipedia-Artikel\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eMehr über die Künstlerin: \u003ca href=\"https:\/\/de.wikipedia.org\/wiki\/Annette_Messager\" rel=\"noopener noreferrer\" target=\"_blank\"\u003eAnnette Messager auf Wikipedia\u003c\/a\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEin seltener Katalog zur ersten Museumsausstellung einer der bedeutendsten zeitgenössischen Künstlerinnen – feministisch, subversiv, sammlungswürdig.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49319519977740,"sku":"","price":250.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/2p-A.Messager-collectioneuse1.jpg?v=1725782667"},{"product_id":"brice-marden-sucide-notes-1974-first-edition-softcover","title":"Brice Marden: Sucide Notes, 1974, First Edition - Softcover","description":"\u003ch1\u003eBrice Marden: Sucide Notes 1974 \u003cbr\u003e\n\u003c\/h1\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eFirst Edition - Softcover\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e \u003cbr\u003eMarden, Brice; Edition Des Massons, Lausanne 1974.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eA Paul Bianchini Book.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePrinted in France by Imprimerir Mazarine, Paris.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThis catalog was prepared to accompany the traveling exhibition that toured through America in 1974-75. No text. Illustrated throughout in black \u0026amp; white. 70 pages. \u003cbr\u003e \u003cbr\u003eAllover slightly unfresh, tiny tear on the top cover, complete.\u003cbr\u003e \u003cbr\u003e\u003cbr\u003e— Shipping on request —\u003cbr\u003ePlease ask us for individual shipping costs\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49319529644300,"sku":"","price":0.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/4p-B.Marden-sucidenotes1.jpg?v=1725784050"},{"product_id":"radierung-aristide-maillol-1861-1944-nbsp-deux-femmes-assises-sous-les-feuillages-1928-29","title":"Radierung Aristide MAILLOL (1861-1944) Deux femmes assises sous les feuillages (1928\/29)","description":"\u003ch2\u003eAristide Maillol (1861-1944) – \"Deux femmes assises sous les feuillages\" (1928\/29)\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEine außergewöhnliche Radierung eines der bedeutendsten französischen Bildhauer der Moderne: \"Deux femmes assises sous les feuillages\" (Zwei sitzende Frauen unter dem Laub) von Aristide Maillol aus den Jahren 1928\/29. Exemplar 8\/26 im ersten Druckzustand – ein seltenes und museales Werk.\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003eAristide Maillol – Erneuerer der klassischen Skulptur\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eAristide Maillol (1861-1944) zählt zu den einflussreichsten Bildhauern des 20. Jahrhunderts. Geboren in Banyuls-sur-Mer in Südfrankreich, studierte er an der École des Beaux-Arts in Paris und war zunächst als Maler und Tapetendesigner tätig, bevor er sich ab 1900 ganz der Bildhauerei widmete.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eMaillol entwickelte einen eigenständigen Stil, der sich von der bewegten Dramatik Auguste Rodins absetzte. Seine Skulpturen zeichnen sich durch monumentale Ruhe, klassische Proportionen und eine Rückbesinnung auf die Antike aus. Er schuf zeitlose Darstellungen des weiblichen Körpers, die Kraft und Harmonie vereinen.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eSeine Werke befinden sich in den bedeutendsten Museen der Welt, darunter das Musée d'Orsay in Paris, das Museum of Modern Art in New York und die Tate Gallery in London. Der Jardin des Tuileries in Paris beherbergt eine bedeutende Sammlung seiner Bronzeskulpturen.\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003e\"Deux femmes assises sous les feuillages\" – Klassische Harmonie\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eDiese Radierung aus den Jahren 1928\/29 zeigt zwei sitzende Frauen unter Laubwerk – ein Motiv, das Maillols lebenslange Faszination für die klassische Antike und die harmonische Darstellung des weiblichen Körpers widerspiegelt. Die Komposition verbindet arkadische Idylle mit moderner Linienführung.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eDie Arbeit entstand in Maillols reifer Schaffensphase, als er international bereits höchste Anerkennung genoss. Obwohl primär als Bildhauer bekannt, schuf Maillol auch ein bedeutendes grafisches Werk, das seine skulpturalen Themen in die Fläche überträgt.\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eKünstler: Aristide Maillol (1861-1944)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: \"Deux femmes assises sous les feuillages\" (Zwei sitzende Frauen unter dem Laub)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: 1928\/29\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTechnik: Radierung auf Vélin (hochwertiges Büttenpapier)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAuflage: 26 Exemplare\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNummerierung: 8\/26\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eDruckzustand: Erster Druckzustand (besonders wertvoll)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSignatur: Unten rechts mit dem Monogramm \"M\" im Kreis in Bleistift\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003ePlattenmaß: 21 × 27 cm\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eBlattmaß: 29 × 44,5 cm\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eRahmenmaß: 42,3 × 57,7 cm\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: Sehr gut\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eRahmung: Säurefrei und freiliegend gerahmt\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003ePreis: 1.100 € (inkl. Rahmen)\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch3\u003eKunsthistorischer Kontext\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eDie späten 1920er Jahre waren eine Zeit der Konsolidierung für Maillol. Nach dem Ersten Weltkrieg hatte er zahlreiche Aufträge für Kriegsdenkmäler erhalten und war als einer der führenden Bildhauer Frankreichs etabliert. Seine grafischen Arbeiten aus dieser Zeit sind seltener als seine Skulpturen und daher besonders begehrt.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eMaillols Rückgriff auf klassische Themen – arkadische Landschaften, ruhende Frauen, harmonische Kompositionen – stand im Kontrast zur aufkommenden Abstraktion der Moderne. Dennoch wurde seine Arbeit von Zeitgenossen wie Pablo Picasso und Henri Matisse hoch geschätzt.\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003eErster Druckzustand – Besondere Seltenheit\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eDer \"erste Druckzustand\" (premier état) bezeichnet die erste Version einer Druckgrafik, bevor eventuelle Änderungen an der Platte vorgenommen wurden. Abzüge im ersten Druckzustand sind besonders wertvoll, da sie die ursprüngliche künstlerische Intention am reinsten wiedergeben und oft in kleinerer Auflage existieren.\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eDieses Werk bietet mehrere interessante Aspekte für Sammler:\u003c\/p\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eBedeutender Künstler\u003c\/strong\u003e – Maillol zählt zu den wichtigsten Bildhauern des 20. Jahrhunderts\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eKleine Auflage\u003c\/strong\u003e – Nur 26 Exemplare, davon Nr. 8\/26\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eErster Druckzustand\u003c\/strong\u003e – Besonders seltene und wertvolle Variante\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eMonogrammiert\u003c\/strong\u003e – Mit dem charakteristischen \"M\" im Kreis in Bleistift\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eMuseale Qualität\u003c\/strong\u003e – Sehr guter Erhaltungszustand\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProfessionelle Rahmung\u003c\/strong\u003e – Säurefrei und konservatorisch einwandfrei\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eVélin-Papier\u003c\/strong\u003e – Hochwertiges Büttenpapier\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eKlassisches Motiv\u003c\/strong\u003e – Zeitlos und von dauerhafter ästhetischer Relevanz\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch3\u003eInstitutionelle Anerkennung\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eAristide Maillols Werke befinden sich in den bedeutendsten Museen weltweit:\u003c\/p\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eMusée d'Orsay, Paris\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMuseum of Modern Art (MoMA), New York\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTate Gallery, London\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eHermitage, St. Petersburg\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMetropolitan Museum of Art, New York\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJardin des Tuileries, Paris (Skulpturensammlung)\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch3\u003eVersand\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eVersand auf Anfrage – aufgrund der Rahmung und des musealen Werts wird ein sicherer, versicherter Versand individuell organisiert.\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003eWikipedia-Artikel\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eMehr über den Künstler: \u003ca href=\"https:\/\/de.wikipedia.org\/wiki\/Aristide_Maillol\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\"\u003eAristide Maillol auf Wikipedia\u003c\/a\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEine museale Radierung eines der bedeutendsten Bildhauer der Moderne – selten, signiert, zeitlos schön.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49319548223756,"sku":"","price":1100.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/IMG_7253.jpg?v=1725786021"},{"product_id":"lotte-gerson-colein-1905-1995-s-w-fotografie-seeigel-und-schatten-einer-krebsschere-1928","title":"Lotte GERSON-COLLEIN (1905-1995) s\/w Fotografie \"Seeigel und Schatten einer Krebsschere\" (1928)","description":"\u003ch2\u003eLotte Gerson-Collein (1905-1995) – \"Seeigel und Schatten einer Krebsschere\" (1928)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEin außergewöhnliches Zeugnis der fotografischen Avantgarde der Weimarer Republik: Die Schwarz-Weiß-Fotografie \"Seeigel und Schatten einer Krebsschere\" von Lotte Gerson-Collein aus dem Jahr 1928. Späterer Silbergelatineabzug der Galerie am Sachsenplatz (um 1970), vergrößert vom originalen Glasnegativ.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLotte Gerson-Collein – Pionierin der Neuen Sachlichkeit\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eLotte Gerson-Collein (1905-1995) war eine deutsche Fotografin, die in den späten 1920er Jahren zur fotografischen Avantgarde in Leipzig gehörte. In einer Zeit, als Fotografie als eigenständige Kunstform noch um Anerkennung kämpfte, schuf sie experimentelle Arbeiten, die sich durch präzise Komposition und innovative Lichtführung auszeichneten.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eAls Frau in der männlich dominierten Kunstszene der Weimarer Republik entwickelte Gerson-Collein eine eigenständige Bildsprache, die Elemente der Neuen Sachlichkeit mit surrealistischen Ansätzen verband. Ihre Arbeiten dokumentieren den Aufbruch der Fotografie in die Moderne.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\"Seeigel und Schatten einer Krebsschere\" – Poetik des Alltäglichen\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDiese Fotografie aus dem Jahr 1928 zeigt Gerson-Colleins meisterhafte Beherrschung von Licht und Schatten. Die Kombination aus dem organischen Objekt des Seeigels und dem dramatischen Schatten einer Krebsschere schafft eine surreale Komposition, die zwischen Dokumentation und künstlerischer Inszenierung oszilliert.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDie Arbeit ist charakteristisch für die fotografische Avantgarde der späten 1920er Jahre, als Fotografen begannen, alltägliche Objekte durch ungewöhnliche Perspektiven und Lichtführung zu verfremden. Gerson-Collein transformiert Naturformen in abstrakte Bildstrukturen und schafft damit eine zeitlose ästhetische Spannung.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eKünstlerin: Lotte Gerson-Collein (1905-1995)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: \"Seeigel und Schatten einer Krebsschere\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: 1928\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTechnik: Schwarz-Weiß-Fotografie, Silbergelatineabzug\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEntstehung des Abzugs: Um 1970, Galerie am Sachsenplatz, Leipzig\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eVergrößerung vom originalen Glasnegativ von 1928\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eBildmaß: 39 × 28,5 cm\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eRahmenmaß: 49,5 × 39 cm\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eVerso auf dem Galerienetikett signiert und bezeichnet\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: Sehr gut\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003ePreis inkl. Rahmen\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eKunsthistorischer Kontext – Die Weimarer Republik\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e1928 war ein Schlüsseljahr für die fotografische Moderne in Deutschland. Die Neue Sachlichkeit hatte sich als dominante Strömung etabliert, und Fotografen wie Albert Renger-Patzsch, Karl Blossfeldt und August Sander prägten eine neue, objektive Sichtweise auf die Welt.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eGerson-Collein arbeitete in Leipzig, das neben Berlin ein wichtiges Zentrum der fotografischen Avantgarde war. Ihre Arbeiten entstanden in einem Umfeld experimenteller Fotografie, das von der Bauhaus-Ästhetik und der Neuen Sachlichkeit beeinflusst war.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDie Galerie am Sachsenplatz, Leipzig\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDer vorliegende Abzug wurde um 1970 von der renommierten Galerie am Sachsenplatz in Leipzig angefertigt – direkt vom originalen Glasnegativ von 1928. Diese Galerie spielte eine wichtige Rolle bei der Wiederentdeckung und Würdigung der fotografischen Avantgarde der Weimarer Republik in der DDR.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eAbzüge, die direkt von den Originalnegativen angefertigt wurden, sind von besonderem Wert, da sie die ursprüngliche Bildqualität und Intention der Künstlerin authentisch wiedergeben.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDieses Werk bietet mehrere interessante Aspekte für Sammler:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eWeibliche Fotografin\u003c\/strong\u003e – Werke von Fotografinnen der Weimarer Republik sind selten und gewinnen zunehmend an Anerkennung\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eHistorische Bedeutung\u003c\/strong\u003e – Wichtiges Dokument der fotografischen Avantgarde von 1928\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eVintage Print\u003c\/strong\u003e – Abzug um 1970 vom Originalnegativ, keine moderne Reproduktion\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eLeipziger Schule\u003c\/strong\u003e – Teil der bedeutenden Leipziger Fotografieszene\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eNeue Sachlichkeit\u003c\/strong\u003e – Charakteristisches Werk dieser wichtigen Kunstströmung\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProvenienz\u003c\/strong\u003e – Galerie am Sachsenplatz, Leipzig\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSehr guter Zustand\u003c\/strong\u003e – Fast 100 Jahre altes Negativ, professionell vergrößert\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eInkl. Rahmen\u003c\/strong\u003e – Galerierahmen aus der Zeit um 1970\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eThematische Relevanz\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDie Wiederentdeckung von Fotografinnen der Weimarer Republik ist ein wichtiges Anliegen der aktuellen Fotografiegeschichtsschreibung. Künstlerinnen wie Lotte Gerson-Collein, die lange im Schatten ihrer männlichen Kollegen standen, werden heute neu bewertet und gewürdigt.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eIhre Arbeiten zeigen, dass Frauen maßgeblich an der Entwicklung der modernen Fotografie beteiligt waren – eine Tatsache, die in der traditionellen Kunstgeschichte oft übersehen wurde.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eVersand\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eVersand auf Anfrage – aufgrund der Rahmung und des historischen Werts wird ein sicherer, versicherter Versand individuell organisiert.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEin seltenes Zeugnis der fotografischen Avantgarde der Weimarer Republik – kunsthistorisch bedeutsam, technisch meisterhaft, provenienzgesichert.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49319600554252,"sku":"","price":480.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/IMG_7258.jpg?v=1725789186"},{"product_id":"gemalde-bert-duerkop-1935-2020-sonate-ii-2011","title":"Bert Duerkop (1935-2020) – \"Sonate II\" (2011)","description":"\u003ch2\u003eBert Duerkop (1935-2020) – \"Sonate II\" (2011)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEin ausdrucksstarkes Spätwerk des deutschen Malers Bert Duerkop: Das Gemälde \"Sonate II\" aus dem Jahr 2011 zeigt die reife künstlerische Handschrift eines Künstlers, der über Jahrzehnte eine eigenständige Position in der deutschen Nachkriegsmalerei entwickelte.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eBert Duerkop – Ein Leben für die Malerei\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eBert Duerkop (1935-2020) widmete sein Leben der Malerei und entwickelte über mehr als fünf Jahrzehnte eine unverwechselbare künstlerische Sprache. Seine Arbeiten bewegen sich zwischen Abstraktion und Figuration, zwischen gestischer Expressivität und kontrollierter Komposition. Duerkop war ein Künstler, der abseits des Kunstmarkt-Mainstreams seinen eigenen Weg ging und dabei eine bemerkenswerte Werktiefe erreichte.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\"Sonate II\" – Malerei als musikalische Komposition\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDer Titel \"Sonate\" verweist auf Duerkops Interesse an der Verbindung von Malerei und Musik. Wie eine musikalische Sonate entwickelt das Gemälde verschiedene \"Themen\" und \"Variationen\" in Farbe und Form. Die Komposition zeigt Duerkops charakteristische Arbeitsweise: kraftvolle Farbsetzungen, dynamische Pinselführung und eine Balance zwischen spontaner Geste und durchdachter Struktur.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eSpätwerk 2011\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eEntstanden im Jahr 2011, gehört \"Sonate II\" zu Duerkops Spätwerk – einer Phase, in der der Künstler auf jahrzehntelange Erfahrung zurückgreifen konnte und mit großer malerischer Souveränität arbeitete. Spätwerke von Künstlern besitzen oft eine besondere Intensität und Authentizität, da sie frei von Marktdruck und Selbstdarstellung entstehen.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eKünstler: Bert Duerkop (1935-2020)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: \"Sonate II\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: 2011\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTechnik: Acryl auf Leinwand\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eFormat: 80 × 60 cm\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSignatur: Verso auf der Leinwand signiert, datiert und bezeichnet \"Bt Duerkop 2011 Conio Sonate II\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eRahmen: Ohne Rahmen\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: \"Sehr gut\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eProvenienz \u0026amp; Authentizität\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003eDas Gemälde ist verso vollständig signiert, datiert und bezeichnet – ein wichtiges Merkmal für die Authentizität und Dokumentation des Werks. Die Bezeichnung \"Conio\" könnte auf eine Werkserie oder einen spezifischen Werkzyklus hinweisen.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDieses Gemälde bietet eine hervorragende Gelegenheit, ein authentisches Werk deutscher Nachkriegsmalerei zu erwerben. Bert Duerkop mag nicht zu den Superstars des Kunstmarkts gehören, aber gerade das macht seine Arbeiten interessant für Sammler, die:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eQualität über Namen stellen\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEigenständige künstlerische Positionen schätzen\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eDeutsche Nachkriegsmalerei sammeln\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAbstrakte Expressivität lieben\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNoch erschwingliche Preise für originale Gemälde suchen\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003ePräsentation\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eMit seinen Maßen von 80 × 60 cm ist \"Sonate II\" ein mittelgroßes Format, das sich hervorragend für Wohnräume, Büros oder kleinere Sammlungen eignet. Das Gemälde kann gerahmt oder ungerahmt präsentiert werden – die moderne Tendenz geht oft zu ungerahmten Leinwänden, die die Materialität des Werks betonen.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEin authentisches Stück deutscher Malerei – kraftvoll, eigenständig und von einem Künstler, der sein Leben der Kunst widmete.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49319636500748,"sku":"","price":2600.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/IMG_7267.jpg?v=1725790615"},{"product_id":"allen-jones-chest","title":"Allen Jones – \"Chest\" (1968) – Multiple 212\/2000","description":"\u003ch2\u003eAllen Jones – \"Chest\" (1968) – Multiple 212\/2000\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEin ikonisches Werk der britischen Pop Art: Das dreidimensionale Multiple \"Chest\" von Allen Jones aus dem Jahr 1968. Dieses provokante Objekt ist ein perfektes Beispiel für Jones' kontroverse und zugleich faszinierende Auseinandersetzung mit Körper, Fetisch und Konsumkultur.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eAllen Jones – Provokateur der britischen Pop Art\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eAllen Jones (*1937 Southampton) gehört neben David Hockney und Peter Blake zu den wichtigsten Vertretern der britischen Pop Art. Seine Arbeiten – oft erotisch aufgeladen und bewusst provokant – lösten in den 1960er und 70er Jahren heftige Debatten aus. Jones' Möbelskulpturen, zu denen auch \"Chest\" gehört, sind heute in den Sammlungen des Tate Modern, MoMA und Centre Pompidou vertreten.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\"Chest\" – Zwischen Objekt und Skulptur\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\"Chest\" (englisch für \"Brust\" oder \"Truhe\") ist charakteristisch für Jones' Werk der späten 1960er Jahre. Das Multiple verbindet skulpturale Elemente mit der Ästhetik von Konsumgütern und spielt mit den Grenzen zwischen Kunst, Design und Fetischobjekt. Die glänzende Oberfläche und die präzise Formgebung reflektieren die Pop-Art-Faszination für industrielle Produktion und Massenkultur.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eEdition Xartcollection, Zürich\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eVerlegt bei der renommierten Edition Xartcollection in Zürich, die in den 1960er und 70er Jahren bedeutende Multiples internationaler Künstler produzierte. Die Auflage von 2000 Exemplaren machte Jones' Kunst einem breiteren Publikum zugänglich \/ es wurden aber nur ca. 500 Stück Produziert– ganz im Sinne der demokratischen Ideale der Pop Art.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eKünstler: Allen Jones (*1937 Southampton)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: \"Chest\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: 1968\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTechnik: Farbserigraphie auf Fiberglas und Styropor\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMaße: H. 37,5 × B. 26,5 × T. 10,5 cm\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAuflage: 2000 Exemplare\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNummerierung: Ex. 212\/2000\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e(verso mit Aufdruck und handschriftlicher Nummerierung in Filzstift)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eHerausgeber: Edition Xartcollection, Zürich\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: \"Gut erhalten\"\u003cbr\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eKunsthistorische Bedeutung\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e1968 war ein Schlüsseljahr für Allen Jones. In dieser Zeit entwickelte er seine berühmten Möbelskulpturen, die weibliche Körper als funktionale Objekte darstellten – eine radikale und kontroverse künstlerische Geste, die bis heute diskutiert wird. \"Chest\" gehört in diesen Kontext und zeigt Jones' charakteristische Verbindung von Erotik, Humor und kritischer Reflexion über Objektifizierung.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eAllen Jones' Multiples aus den 1960er Jahren sind begehrte Sammlerstücke, die die Essenz der britischen Pop Art verkörpern. \"Chest\" vereint mehrere wichtige Aspekte:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eIkonisches Werk eines Hauptvertreters der britischen Pop Art\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAus dem entscheidenden Jahr 1968\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eDreidimensionales Multiple – seltener als Druckgrafiken\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEdition Xartcollection – renommierter Herausgeber\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNiedrige Nummer (212\/2000)\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003eIdeal für Sammler von:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eBritischer Pop Art\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e1960er Jahre Kunst\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eKünstler-Multiples\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSkulpturalen Objekten\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEin provokantes und faszinierendes Stück Pop-Art-Geschichte – ein Muss für ernsthafte Sammler britischer Nachkriegskunst.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Grün","offer_id":49320463466764,"sku":"","price":4500.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/FullSizeRender_9188afab-78fe-44d7-82fb-e8e0beaa7ac5.jpg?v=1747475584"},{"product_id":"thomas-bayrle-stadt-city-toshi-6-lithografien-59-65-1977-grosse-42x59cm","title":"Thomas Bayrle – \"Stadt-City-Toshi\" – 6 Lithografien (1977)","description":"\u003ch2\u003eThomas Bayrle – \"Stadt-City-Toshi\" – 6 Lithografien (1977)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEine schöne Mappe eines der wichtigsten deutschen Konzeptkünstler: Die sechsteilige Lithografien-Serie \"Stadt-City-Toshi\" von Thomas Bayrle aus dem Jahr 1977. Nummeriert 59\/65, signiert – ein Werk, das Bayrles charakteristische Auseinandersetzung mit urbanen Strukturen und Massenproduktion dokumentiert.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eThomas Bayrle – Pionier der deutschen Pop Art\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eThomas Bayrle (*1937 Berlin) zählt zu den bedeutendsten deutschen Künstlern der Nachkriegszeit. Bereits in den 1960er Jahren entwickelte er seine unverwechselbare Bildsprache: repetitive Muster, die aus der Ferne urbane oder industrielle Strukturen zeigen, bei näherer Betrachtung aber aus unzähligen kleinen Einzelelementen bestehen. Seine Arbeiten befinden sich in den Sammlungen des MoMA, Centre Pompidou, Städel Museum und vielen anderen führenden Institutionen.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\"Stadt-City-Toshi\" – Urbane Verdichtung in drei Sprachen\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDer Titel vereint die Worte für \"Stadt\" in Deutsch, Englisch und Japanisch (Toshi) – ein programmatischer Hinweis auf Bayrles globale Perspektive auf urbane Phänomene.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDie Serie entstand 1977, in einer Zeit intensiver Auseinandersetzung mit Stadtplanung, Massenproduktion und der Serialität moderner Gesellschaften.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eBayrles künstlerische Methode\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eCharakteristisch für Bayrle ist die Verwendung von Rastern und Wiederholungen. Seine Arbeiten oszillieren zwischen Makro- und Mikroperspektive: Was aus der Distanz wie eine Stadtansicht oder ein technisches Objekt aussieht, entpuppt sich bei genauerer Betrachtung als Komposition aus hunderten kleiner, identischer Elemente. Diese Technik macht die Mechanismen von Massenproduktion und urbaner Verdichtung sichtbar.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eKünstler: Thomas Bayrle (*1937)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: \"Stadt-City-Toshi\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: 1977\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTechnik: 6 Lithografien\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAuflage: 65 Exemplare\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNummerierung: 59\/65\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSigniert vom Künstler\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eFormat: 42 × 59 cm (jedes Blatt)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: Sehr gut mit leichten Lagerspuren, keine nennenswerten Fehler\u003cbr\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eKunsthistorische Bedeutung\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDie 1970er Jahre waren eine entscheidende Phase in Bayrles Schaffen. \"Stadt-City-Toshi\" entstand in einer Zeit, als der Künstler international zunehmend Anerkennung fand. Die Serie dokumentiert seine reife künstlerische Handschrift und seine kritische Auseinandersetzung mit Urbanisierung und Globalisierung – Themen, die heute aktueller sind denn je.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eThomas Bayrle ist einer der gefragtesten deutschen Künstler seiner Generation. Seine Werke werden regelmäßig in großen Museumsausstellungen gezeigt, zuletzt in umfassenden Retrospektiven im Stedelijk Museum Amsterdam (2015) und im Museum Ludwig Köln (2022). Lithografien aus den 1970er Jahren sind besonders begehrt, da sie Bayrles konzeptuelle Reife in einem zugänglichen Medium zeigen.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDiese sechsteilige Serie ist ideal für:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eSammler deutscher Nachkriegskunst\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eLiebhaber konzeptueller und serieller Kunst\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eInstitutionen und Museen\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eKenner von Pop Art und kritischer Kunst\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49320503509260,"sku":"","price":6500.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/4a691b2e-c529-4313-9da3-b2cf010d3e30.jpg?v=1747479048"},{"product_id":"auguste-kronheim-aigner-kolorierter-holzschnitt-geburt-nr-15-30-1970","title":"Auguste Kronheim-Aigner (1937-2021) – \"Geburt\" (1970)","description":"\u003ch2\u003eAuguste Kronheim-Aigner (1937-2021) – \"Geburt\" (1970)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEin kraftvolles Werk einer bedeutenden österreichischen Künstlerin: Der kolorierte Holzschnitt \"Geburt\" von Auguste Kronheim-Aigner aus dem Jahr 1970. Nummeriert 15\/30 – ein seltenes Zeugnis weiblicher Kunstproduktion in einer Zeit, als Frauen in der Kunstwelt noch stark unterrepräsentiert waren.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eAuguste Kronheim-Aigner – Pionierin der österreichischen Druckgrafik\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eAuguste Kronheim-Aigner (1937-2021) war eine österreichische Künstlerin, die sich intensiv mit der Technik des Holzschnitts auseinandersetzte. In einer von Männern dominierten Kunstszene der 1960er und 70er Jahre entwickelte sie eine eigenständige künstlerische Sprache, die traditionelle Drucktechniken mit zeitgenössischen Themen verband.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\"Geburt\" – Ein universelles Thema\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDas Motiv der Geburt ist eines der ältesten und universellsten Themen der Kunstgeschichte. Kronheim-Aigners Interpretation aus dem Jahr 1970 entstand in einer Zeit gesellschaftlicher Umbrüche, als Frauen begannen, ihre Körper und Erfahrungen selbstbestimmt künstlerisch zu thematisieren. Der Holzschnitt verbindet archaische Bildsprache mit moderner Sensibilität.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDie Technik des kolorierten Holzschnitts\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDer Holzschnitt ist eine der ältesten Drucktechniken und erfordert großes handwerkliches Können. Bei einem kolorierten Holzschnitt wird der Druck nachträglich von Hand mit Farbe versehen – jedes Exemplar ist dadurch ein Unikat, auch innerhalb der nummerierten Auflage. Die Kombination aus der kraftvollen, reduzierten Linienführung des Holzschnitts und der subtilen Farbgebung macht diese Technik besonders ausdrucksstark.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eKünstlerin: Auguste Kronheim-Aigner (1937-2021)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: \"Geburt\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: 1970\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTechnik: Kolorierter Holzschnitt\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAuflage: 30 Exemplare\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNummerierung: 15\/30\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSigniert von der Künstlerin\u003cbr\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: Sehr gut\u003cbr\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eKunsthistorischer Kontext\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e1970 war ein bedeutendes Jahr für die feministische Kunstbewegung. Künstlerinnen begannen verstärkt, weibliche Erfahrungen wie Schwangerschaft, Geburt und Mutterschaft aus ihrer eigenen Perspektive darzustellen – nicht mehr durch den männlichen Blick gefiltert. Kronheim-Aigners \"Geburt\" ist Teil dieser wichtigen künstlerischen Entwicklung.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDieses Werk bietet mehrere interessante Aspekte für Sammler:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eWeibliche Künstlerin\u003c\/strong\u003e – Werke von Künstlerinnen gewinnen zunehmend an Anerkennung und Wert\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eKleine Auflage\u003c\/strong\u003e – Nur 30 Exemplare, davon Nr. 15\/30\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eHandkoloriert\u003c\/strong\u003e – Jedes Exemplar ist ein Unikat\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eZeitdokument\u003c\/strong\u003e – Aus der wichtigen Phase der 1970er Jahre\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSehr guter Zustand\u003c\/strong\u003e – Über 50 Jahre alt und hervorragend erhalten\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTraditionelle Technik\u003c\/strong\u003e – Holzschnitt ist eine geschätzte Drucktechnik\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eThematische Relevanz\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDas Thema Geburt und weibliche Selbstbestimmung ist heute aktueller denn je. Kronheim-Aigners Werk aus dem Jahr 1970 gewinnt in diesem Kontext zusätzliche Bedeutung als historisches Dokument einer Zeit, in der Frauen begannen, ihre eigenen Geschichten zu erzählen.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eZum Gedenken\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eMit dem Tod von Auguste Kronheim-Aigner im Jahr 2021 endete das Leben einer Künstlerin, die über Jahrzehnte hinweg eigenständig und konsequent arbeitete. Ihre Werke sind Zeugnisse einer künstlerischen Haltung, die Tradition und Moderne, Handwerk und Ausdruck miteinander verband.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEin kraftvolles Werk einer österreichischen Künstlerin – thematisch zeitlos, technisch meisterhaft, historisch bedeutsam.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"18\" x 24\"","offer_id":49320512094476,"sku":"","price":950.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/IMG_2774.heic?v=1767913698"},{"product_id":"multiple-joseph-beuys-1983","title":"Joseph Beuys – \"Vino F.I.U.\" Multiple (1983)","description":"\u003ch2\u003eJoseph Beuys – \"Vino F.I.U.\" (1983)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEin außergewöhnliches Spätwerk des legendären Joseph Beuys: Das Multiple \"Vino F.I.U.\" aus dem Jahr 1983, nur drei Jahre vor seinem Tod entstanden. Signiert auf dem Etikett – ein authentisches Zeugnis von Beuys' künstlerischer Praxis und seinem erweiterten Kunstbegriff.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eJoseph Beuys – Der erweiterte Kunstbegriff\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eJoseph Beuys (1921 Krefeld – 1986 Düsseldorf) revolutionierte die Kunst des 20. Jahrhunderts mit seinem erweiterten Kunstbegriff: \"Jeder Mensch ist ein Künstler\". Seine Multiples waren keine bloßen Reproduktionen, sondern eigenständige Kunstwerke, die Kunst demokratisch zugänglich machen sollten. Heute befinden sich seine Arbeiten in den bedeutendsten Museen weltweit.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\"Vino F.I.U.\" – Wein als soziale Skulptur\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\"Vino F.I.U.\" (F.I.U. steht für \"Free International University\", Beuys' utopisches Bildungsprojekt) ist charakteristisch für Beuys' Verwendung alltäglicher Materialien als Kunstobjekte. Wein – ein Getränk mit tiefer kultureller, religiöser und sozialer Bedeutung – wird zum Träger künstlerischer Ideen. Die Holzkiste, das Etikett mit Beuys' Signatur: Alles wird Teil der \"sozialen Skulptur\".\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e1983 – Spätwerk eines Visionärs\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDas Jahr 1983 war geprägt von Beuys' intensivem politischen und ökologischen Engagement. Seine Aktion \"7000 Eichen\" für die documenta 7 in Kassel lief auf Hochtouren, die Friedensbewegung und die Grünen (deren Mitbegründer Beuys war) prägten die politische Landschaft. \"Vino F.I.U.\" entstand in diesem Kontext – als Kunstwerk, das Gemeinschaft, Austausch und Transformation symbolisiert.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eKünstler: Joseph Beuys (1921 Krefeld – 1986 Düsseldorf)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: \"Vino F.I.U.\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: 1983\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSignatur: Auf dem Etikett signiert \"Joseph Beuys\"\u003cbr\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMaße: 38,5 × 15 × 14,5 cm (Holzkiste)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eWerkverzeichnis: Schellmann 484\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: Gut\u003cbr\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eWerkverzeichnis Schellmann\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDas Multiple ist im Werkverzeichnis von Jörg Schellmann unter der Nummer 484 dokumentiert. Schellmanns Werkverzeichnis ist die maßgebliche Referenz für Beuys' Multiples und garantiert die Authentizität dieses Werks.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDie Free International University (F.I.U.)\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDie \"Free International University for Creativity and Interdisciplinary Research\" war Beuys' utopisches Bildungsprojekt, das er 1973 zusammen mit Heinrich Böll gründete. Die F.I.U. sollte ein Ort sein, an dem Kunst, Wissenschaft und Politik zusammenkommen – ein Labor für gesellschaftliche Transformation. \"Vino F.I.U.\" trägt diesen Namen als Programm.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e40 Jahre nach Beuys' Tod\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eIm Januar 2026, 40 Jahre nach Joseph Beuys' Tod am 23. Januar 1986, gewinnen seine Arbeiten zusätzliche historische Dimension. \"Vino F.I.U.\" ist nicht nur ein Kunstwerk, sondern ein Zeitdokument einer Ära, in der Künstler glaubten, die Welt durch Kunst verändern zu können.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDieses Multiple vereint mehrere wichtige Aspekte:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSpätwerk\u003c\/strong\u003e – Aus dem Jahr 1983, nur drei Jahre vor Beuys' Tod\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSigniert\u003c\/strong\u003e – Auf dem Etikett von Joseph Beuys signiert\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eWerkverzeichnis Schellmann 484\u003c\/strong\u003e – Authentizität dokumentiert\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eF.I.U.-Bezug\u003c\/strong\u003e – Verbindung zu Beuys' utopischem Bildungsprojekt\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eErschwinglicher Einstieg\u003c\/strong\u003e – Attraktiver Preis für ein originales Beuys-Multiple\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003e40. Todestag 2026\u003c\/strong\u003e – Besondere historische Bedeutung\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eInvestition in Kunstgeschichte\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eJoseph Beuys-Multiples sind begehrte Sammlerstücke, deren Wert kontinuierlich steigt. Mit 320 € bietet \"Vino F.I.U.\" einen erschwinglichen Einstieg in die Sammlung eines der bedeutendsten Künstler des 20. Jahrhunderts.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eIdeal für\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eBeuys-Sammler und -Enthusiasten\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eLiebhaber konzeptueller Kunst\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSammler von Künstler-Multiples\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEinsteiger in die Kunstsammlung (erschwinglicher Preis)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eKenner der Free International University\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMuseen und institutionelle Sammlungen\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\"Vino F.I.U.\" – Ein authentisches Multiple von Joseph Beuys aus dem Jahr 1983. Signiert, im Werkverzeichnis dokumentiert. Ein Stück Kunstgeschichte zum erschwinglichen Preis – 40 Jahre nach dem Tod des Meisters aktueller denn je.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54299630895372,"sku":null,"price":360.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/1155a470-513a-458e-8379-b2cf010b767f.jpg?v=1747475395"},{"product_id":"malanga-gerard-5-vintage-prints-u-a-mick-jagger","title":"Gerard Malanga – Konvolut 5 Vintage Prints: Mick Jagger, Keith Richards, Anita Pallenberg, Uschi Obermaier, Lou Reed (1970)","description":"\u003ch2\u003eGerard Malanga – Konvolut 5 Vintage Prints: Mick Jagger, Keith Richards, Anita Pallenberg, Uschi Obermaier, Lou Reed (1970)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEin außergewöhnliches Zeitdokument der Rock- und Kulturgeschichte: Fünf originale Vintage-Fotografien von Gerard Malanga aus dem Jahr 1970, darunter ikonische Porträts von Mick Jagger, Keith Richards, Anita Pallenberg, Uschi Obermaier und Lou Reed. Komplett mit dem handschriftlich beschrifteten Original-Versandumschlag von Malanga – ein Museum-Quality-Konvolut von größter Seltenheit.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eGerard Malanga – Chronist der Warhol-Ära\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eGerard Malanga (*1943 New York) war Andy Warhols engster Mitarbeiter in der legendären Factory und dokumentierte als Fotograf die Ikonen der 1960er und 70er Jahre. Seine Arbeiten sind in den Sammlungen des MoMA, Whitney Museum und Centre Pompidou vertreten. Malangas Fotografien sind mehr als Porträts – sie sind intime Momentaufnahmen einer kulturellen Revolution.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDie Fotografien im Detail\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e1. Mick Jagger – The Rolling Stones, Frankfurt 1970\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003eAufgenommen auf dem Balkon des Hotels Hessischer Hof. Original Vintage Print auf Agfa Baryt, 25,4 × 20,3 cm. Verso signiert \"gerardmalanga\" und bezeichnet. Abgebildet in: Remy\/Parent \"Gerard Malanga: Screen Tests Portraits Nudes 1964-1996\", S. 59.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e2. Keith Richards – The Rolling Stones, Frankfurt 1970\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003eEbenfalls auf dem Balkon des Hessischer Hof. Original Vintage Print auf Agfa Baryt, 25,4 × 20,3 cm. Verso signiert und bezeichnet.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e3. Anita Pallenberg – Actress\/Model, Frankfurt 1970\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003eDie legendäre Schauspielerin und Muse der Rolling Stones. Original Vintage Print auf Baryt, 25,3 × 20,3 cm. Verso signiert und bezeichnet. Abgebildet in: Remy\/Parent, S. 52.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e4. Uschi Obermaier – Actress\/Model, München 1970\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003eDie Ikone der deutschen Gegenkultur und Kommune 1. Original Vintage Print auf Baryt, 25,3 × 17 cm. Verso signiert und bezeichnet.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e5. Lou Reed – Poet, Lyricist, former leader of The Velvet Underground\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003eMit Fotografenstempel \"Photo by Gerard Malanga\". Original Vintage Print auf Baryt, 20,2 × 25,4 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDer Original-Versandumschlag – Ein historisches Dokument\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDas Konvolut wird komplett mit dem handschriftlich von Gerard Malanga beschrifteten Original-Versandumschlag geliefert, adressiert an Ralf-Rainer Rygulla (März Verlag) in Frankfurt, gestempelt am 24. Dezember 1970. Dieser Umschlag dokumentiert die direkte Provenienz und macht dieses Set zu einem einzigartigen historischen Zeugnis.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLiteratur \u0026amp; Provenienz\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eInklusive des Buches: Remy\/Parent \"Gerard Malanga: Screen Tests Portraits Nudes 1964-1996\", in dem zwei der Fotografien (Mick Jagger, Anita Pallenberg) abgebildet sind.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eZustand\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eAltersgerechte Gebrauchsspuren, keine Defekte oder Restaurierungen. Alle Prints sind Original Vintage Prints von 1970 – keine späteren Abzüge.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eFotograf: Gerard Malanga (*1943)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: 1970\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAnzahl: 5 Original Vintage Prints\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTechnik: Silbergelatine auf Baryt-Papier (teilweise Agfa)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAlle verso signiert \"Gerard Malanga\" und bezeichnet\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eInklusive: Original-Versandumschlag (handschriftlich, gestempelt 24.12.1970)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eInklusive: Buch \"Screen Tests Portraits Nudes 1964-1996\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eProvenienz: Direkt vom Künstler an März Verlag, Frankfurt\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eLiteratur: Zwei Motive publiziert\u003cbr\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDieses Konvolut ist von größter Seltenheit und vereint mehrere außergewöhnliche Aspekte:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eOriginal Vintage Prints aus dem Jahr 1970 (keine späteren Abzüge)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eIkonische Persönlichkeiten der Rockgeschichte\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eDirekte Provenienz mit Original-Versandumschlag\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZwei Motive in der Standardliteratur publiziert\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eKomplett mit Referenzbuch\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMuseum-Quality Zustand\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003eIdeal für Sammler von:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eRock \u0026amp; Roll Fotografie\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eWarhol Factory \u0026amp; 1960er\/70er Kultur\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eVintage Photography\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eRolling Stones \u0026amp; Velvet Underground Memorabilia\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEin einmaliges Zeitdokument der Rockgeschichte – direkt aus Gerard Malangas Archiv.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54299638038796,"sku":"","price":5500.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/f3865862-948f-499d-9b12-b2cf010abf90.jpg?v=1747475903"},{"product_id":"smith-jack-the-beautiful-book-1962","title":"Jack Smith – \"The Beautiful Book\" (1962) – First Edition","description":"\u003ch2\u003eJack Smith – \"The Beautiful Book\" (1962) – First Edition\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEin außergewöhnlich seltenes Meisterwerk der Underground-Kunst: Die erste Ausgabe von Jack Smiths legendärem \"The Beautiful Book\" aus dem Jahr 1962. Dieses Künstlerbuch ist ein Schlüsselwerk der amerikanischen Avantgarde und ein begehrtes Sammlerstück von höchster Bedeutung.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eJack Smith – Ikone der Underground-Kultur\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eJack Smith (1932 Columbus, Ohio – 1989 New York City) war ein visionärer Filmemacher, Fotograf und Performance-Künstler, der die Underground-Szene New Yorks maßgeblich prägte. Sein Film \"Flaming Creatures\" (1963) wurde zum Kultfilm und beeinflusste Generationen von Künstlern von Andy Warhol bis John Waters. \"The Beautiful Book\" entstand kurz vor diesem Durchbruch und dokumentiert Smiths einzigartige ästhetische Vision.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eEin historisches Dokument der Avantgarde\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\"The Beautiful Book\" wurde 1962 in einer geplanten Auflage von 200 Exemplaren konzipiert, jedoch wurden nur etwa 60 Exemplare tatsächlich produziert – was dieses Buch zu einer extremen Rarität macht. Jedes Exemplar ist ein handgefertigtes Unikat der frühen 1960er Jahre Underground-Kultur.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails dieser Ausgabe\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eKünstler: Jack Smith (1932-1989)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: \"The Beautiful Book\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: 1962\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAusgabe: First Edition (E.A.)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAuflage: Ca. 60 von geplanten 200 Exemplaren\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eCover-Variante: Gelb\/Schwarz (seltene Farbvariante)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eCover Design: Marian Zazeela (*1940 New York)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eInhalt: 19 Schwarz-Weiß-Fotografien (5,5 × 5,5 cm) von Jack Smith\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003ePlus: Porträtaufnahme von Ken Jacobs (*1933 New York)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eFormat: Oktav, 22,5 × 19 cm\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: Altersgemäß, minimal fleckig, ein Foto ergänzt\u003cbr\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eDie Künstler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eJack Smith\u003c\/strong\u003e – Sein radikaler Ansatz zu Fotografie, Film und Performance machte ihn zur Legende der New Yorker Underground-Szene.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eKen Jacobs\u003c\/strong\u003e – Experimentalfilmemacher und enger Freund von Smith, dokumentierte die Avantgarde-Szene der 1960er Jahre.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eMarian Zazeela\u003c\/strong\u003e – Bildende Künstlerin und Musikerin, bekannt für ihre Zusammenarbeit mit La Monte Young und ihre minimalistischen Lichtinstallationen.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eProvenienz \u0026amp; Bedeutung\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\"The Beautiful Book\" ist ein Schlüsseldokument der amerikanischen Underground-Kultur der frühen 1960er Jahre. Es entstand in einer Zeit intensiver künstlerischer Experimente in New York, als Künstler wie Smith, Warhol und die Fluxus-Bewegung die Grenzen zwischen Kunst und Leben auflösten.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDies ist ein Museum-Quality-Stück von außerordentlicher Seltenheit. Mit nur etwa 60 produzierten Exemplaren und der zusätzlichen Rarität der Gelb\/Schwarz-Cover-Variante ist dieses Buch ein absolutes Must-have für:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eSammler amerikanischer Avantgarde-Kunst\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eUnderground-Film- und Fotografie-Enthusiasten\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eKünstlerbuch-Sammler\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eInstitutionen und Museen\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003eWerke von Jack Smith sind in den Sammlungen des MoMA, Whitney Museum und anderen führenden Institutionen vertreten. \"The Beautiful Book\" wird in der Literatur zur Underground-Kultur regelmäßig zitiert und ist ein unverzichtbares Stück Kunstgeschichte.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEine einmalige Gelegenheit, ein Stück amerikanischer Kulturgeschichte zu erwerben.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54299647213836,"sku":"","price":14500.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/c17b4417-8cb1-4db3-9c1a-b2cf010ac4ef-2.jpg?v=1747476522"},{"product_id":"gudden-rudolf-zeichnungen-konvolut","title":"Rudolf Gudden (1863-1935) – Konvolut von 8 Zeichnungen\/Skizzen (1918-1927)","description":"\u003ch2\u003eRudolf Gudden (1863-1935) – Konvolut von 8 Zeichnungen\/Skizzen (1918-1927)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEin faszinierendes Ensemble aus der Werkstatt eines bayerischen Künstlers: Acht originale Zeichnungen und Skizzen von Rudolf Gudden, entstanden zwischen 1918 und 1927. Jede Arbeit monogrammiert \"R.G.\", teilweise datiert und bezeichnet – ein authentisches Zeitdokument der Münchner Kunstszene der Zwischenkriegszeit.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eRudolf Gudden – Münchner Künstler der Jahrhundertwende\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eRudolf Gudden (1863 Werneck – 1935 München) war ein deutscher Künstler, der in München lebte und arbeitete – einer Stadt, die um die Jahrhundertwende zu den wichtigsten Kunstzentren Europas gehörte. Gudden bewegte sich in einem künstlerischen Umfeld, das von Jugendstil, Impressionismus und den Anfängen der Moderne geprägt war.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDas Konvolut – Ein Blick in die Werkstatt\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDieses Konvolut von acht Zeichnungen bietet einen seltenen Einblick in Guddens künstlerische Praxis. Zeichnungen und Skizzen sind oft intimer und unmittelbarer als fertige Gemälde – sie zeigen den Künstler beim Denken, Experimentieren und Entwickeln von Ideen. Die verschiedenen Darstellungen, entstanden über einen Zeitraum von fast einem Jahrzehnt (1918-1927), dokumentieren Guddens künstlerische Entwicklung in der bewegten Zeit nach dem Ersten Weltkrieg.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eTechnische Vielfalt\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDas Konvolut zeigt Guddens Beherrschung verschiedener Zeichentechniken:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eKreidezeichnungen\u003c\/strong\u003e – Weiche, malerische Effekte\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eBleistiftzeichnungen\u003c\/strong\u003e – Präzise Linienführung\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eKohlezeichnungen\u003c\/strong\u003e – Dramatische Kontraste und atmosphärische Wirkung\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003eDiese technische Bandbreite zeigt einen Künstler, der sein Handwerk meisterhaft beherrschte und je nach Motiv die passende Technik wählte.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eKünstler: Rudolf Gudden (1863 Werneck – 1935 München)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAnzahl: 8 Zeichnungen\/Skizzen (Konvolut)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: \"Verschiedene Darstellungen\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEntstehungszeit: 1918-1927\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTechnik: Kreide, Bleistift und Kohle auf Papier\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eFormate: 17 × 22,4 cm bis 32 × 22 cm (verschiedene Größen)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSignatur: Jeweils monogrammiert \"R.G.\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eBezeichnung: Teilweise datiert und bezeichnet\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eRahmen: Ohne Rahmen\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eLiteratur: AOW (Allgemeines Künstlerlexikon)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand:  \"Altersgemäß\"\u003cbr\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eHistorischer Kontext\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDie Entstehungszeit dieser Zeichnungen (1918-1927) war eine turbulente Phase der deutschen Geschichte: Das Ende des Ersten Weltkriegs, die Weimarer Republik, wirtschaftliche Krisen und zugleich eine außergewöhnliche kulturelle Blüte. München war in dieser Zeit ein Zentrum künstlerischer Experimente – von der Blauen Reiter-Bewegung bis zur Neuen Sachlichkeit.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDieses Konvolut bietet mehrere interessante Aspekte:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eVerschiedene Techniken\u003c\/strong\u003e – Einblick in Guddens künstlerisches Repertoire\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eZeitspanne 1918-1927\u003c\/strong\u003e – Dokumentiert künstlerische Entwicklung\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eMünchner Provenienz\u003c\/strong\u003e – Aus dem wichtigen Kunstzentrum München\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eMonogrammiert\u003c\/strong\u003e – Authentizität gesichert\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eLiteratur\u003c\/strong\u003e – Im Allgemeinen Künstlerlexikon (AOW) verzeichnet\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003ePräsentationsmöglichkeiten\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDie verschiedenen Formate und Techniken bieten vielfältige Präsentationsmöglichkeiten:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eAls Gruppe gerahmt an einer Wand (Salon-Hängung)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eIn wechselnder Auswahl\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eIn Passepartouts und Portfoliomappen archiviert\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEinzeln gerahmt als kleine Sammlung\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eIdeal für\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eSammler deutscher Kunst des frühen 20. Jahrhunderts\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eLiebhaber von Zeichnungen und Papierarbeiten\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eInteressierte an Münchner Kunstgeschichte\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEinsteiger-Sammler mit begrenztem Budget\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEin authentisches Ensemble aus der Werkstatt eines Münchner Künstlers – acht originale Zeichnungen, die einen faszinierenden Einblick in die künstlerische Praxis der 1920er Jahre bieten.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54299649179916,"sku":"","price":650.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/920c2725-7a12-4bee-a1e8-b2cf010b8fcd.jpg?v=1747476923"},{"product_id":"1927-metropolis-ein-film-von-fritz-lang-kurt-degen-signiert-datiert-1996-deutschland","title":"Metropolis (1927) – Limitiertes Filmplakat von Kurt Degner (1996)","description":"\u003ch2\u003eMetropolis (1927) – Limitiertes Filmplakat von Kurt Degner (1996)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEin außergewöhnliches Sammlerstück für Filmliebhaber und Kunstsammler: Das limitierte Filmplakat zu Fritz Langs legendärem Meisterwerk \"Metropolis\" (1927), gestaltet vom deutschen Künstler Kurt Degner im Jahr 1996. Eine kunstvolle Hommage an einen der einflussreichsten Filme der Kinogeschichte.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFritz Langs Metropolis – Ein Meilenstein der Filmgeschichte\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\"Metropolis\" (1927) ist nicht nur ein Film – es ist ein visuelles Manifest, das die Science-Fiction und das Kino für immer verändert hat. Fritz Langs dystopische Vision einer futuristischen Großstadt beeinflusste Generationen von Filmemachern, von Ridley Scott bis zu den Wachowskis. Der Film steht seit 2001 im UNESCO-Weltdokumentenerbe.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eKurt Degner – Künstlerische Neuinterpretation 1996\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e1996, anlässlich einer Restaurierung oder Wiederaufführung des Films, schuf der deutsche Künstler Kurt Degner diese limitierte Edition. Das Plakat ist keine bloße Reproduktion, sondern eine eigenständige künstlerische Interpretation des ikonischen Films – signiert und nummeriert vom Künstler selbst.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eFilm: Metropolis (1927) von Fritz Lang\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eKünstler: Kurt Degner\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: 1996, Deutschland\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eFormat: 99 × 69,25 cm (großformatig)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAuflage: Limitierte Edition\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNummeriert: 420\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSigniert: K. Degner\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: Sehr gut\u003cbr\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eEin Stück Filmgeschichte für deine Wand\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDieses großformatige Plakat (fast 1 Meter hoch!) ist ein beeindruckendes Statement-Piece für jeden Raum. Ob im Wohnzimmer, Heimkino oder Büro – es verbindet Filmgeschichte mit zeitgenössischer Plakatkunst und wird garantiert zum Gesprächsthema.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eLimitierte Editionen von Filmplakaten zu Klassikern wie \"Metropolis\" sind begehrte Sammlerstücke, die im Wert steigen. Besonders signierte und nummerierte Exemplare von anerkannten Künstlern wie Kurt Degner sind rar und wertvoll. Dieses Plakat vereint:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eEinen der wichtigsten Filme der Kinogeschichte\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEine limitierte, signierte Künstleredition\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eDeutsche Plakatkunst der 1990er Jahre\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEin beeindruckendes Großformat\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEin Must-have für Cineasten, Filmhistoriker und Liebhaber expressionistischer Kunst.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54564054237452,"sku":null,"price":900.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/Bildschirmfoto2025-11-19um21.37.05.png?v=1763584771"},{"product_id":"anderas-siekmann-1961-fotografie-spirit-a-portikus-kopie","title":"Ilya Kabakov (1933-2023) – \"The Art is a Fifth Element\" Genussschein","description":"\u003ch2\u003eIlya Kabakov (1933-2023) – \"The Art is a Fifth Element\" Genussschein\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEin außergewöhnliches Kunstwerk eines der bedeutendsten Künstler unserer Zeit: Ilya Kabakovs Genussschein für den Portikus Frankfurt am Main aus dem Jahr 2000. Dieses Werk entstand kurz nach Kabakovs internationaler Anerkennung und ist heute, nach seinem Tod 2023, ein historisches Dokument von besonderer Bedeutung.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eZum Gedenken an Ilya Kabakov (1933-2023)\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eMit dem Tod von Ilya Kabakov im Mai 2023 verlor die Kunstwelt einen ihrer wichtigsten Protagonisten. Der in der Sowjetunion geborene und später in den USA lebende Künstler prägte mit seinen Installationen und konzeptuellen Arbeiten die zeitgenössische Kunst nachhaltig. Seine Werke befinden sich in den Sammlungen des MoMA, der Tate Modern und des Centre Pompidou.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDas Portikus-Projekt: Kunst trifft Ökonomie\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eIm Jahr 2000 entwickelte der Portikus Frankfurt ein radikales Konzept: Statt traditioneller Kunstförderung emittierte die Institution Genussscheine – eine ironische Aneignung kapitalistischer Finanzinstrumente. Zehn renommierte Künstler, darunter Ilya Kabakov, gestalteten jeweils einen individuellen Entwurf. Jeder Schein ist ein eigenständiges Kunstwerk und gleichzeitig ein funktionales Dokument.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\"The Art is a Fifth Element\"\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDer Titel verweist auf Kabakovs philosophische Auseinandersetzung mit der Rolle der Kunst in der Gesellschaft. Neben den vier klassischen Elementen – Feuer, Wasser, Erde, Luft – positioniert Kabakov die Kunst als fünftes, essentielles Element menschlicher Existenz. Diese Lithographie verkörpert diese Vision in ihrer charakteristischen, poetischen Bildsprache.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eKünstler: Ilya Kabakov (1933-2023)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: \"The Art is a Fifth Element\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: 2000\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTechnik: Lithographie\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAufschrift: \"Genußschein 1000 DM\" und \"Portikus Frankfurt am Main 2000\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNummeriert: 0180\/1000\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSigniert vom Künstler\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMit Trockenstempel des Herausgebers\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eInklusive Zertifikat\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEiner von zehn individuell gestalteten Genussscheinen\u003cbr\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eProvenienz \u0026amp; Bedeutung\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDer Portikus in Frankfurt am Main ist eine der renommiertesten Institutionen für zeitgenössische Kunst in Deutschland. Dieses Projekt war wegweisend für alternative Finanzierungsmodelle im Kunstbetrieb und vereinte einige der wichtigsten Künstler der Zeit.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eNach Kabakovs Tod 2023 haben seine Werke zusätzlich an historischer und emotionaler Bedeutung gewonnen. Dieser Genussschein ist nicht nur ein Kunstwerk, sondern ein Zeugnis einer einzigartigen künstlerischen Vision und eines wegweisenden institutionellen Experiments. Ein seltenes Stück für ernsthafte Sammler zeitgenössischer Kunst und konzeptueller Positionen.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEin Vermächtnis eines der größten Künstler unserer Zeit.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54564884316428,"sku":null,"price":2200.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/IMG_2043.png?v=1763657565"},{"product_id":"smith-stewart-insulator-video-arbeit-3-10-portikus","title":"SMITH\/STEWART – \"Insulator\" Video-Arbeit – Portikus Genussschein (2000)","description":"\u003ch2\u003eSMITH\/STEWART – \"Insulator\" Video-Arbeit – Portikus Genussschein (2000)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEin außergewöhnliches Kunstwerk an der Schnittstelle von Video-Kunst, Konzeptkunst und institutioneller Kritik: Die Video-Arbeit \"Insulator\" des Künstlerduos SMITH\/STEWART als Teil des legendären Portikus-Genussschein-Projekts aus dem Jahr 2001.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDas Künstlerduo SMITH\/STEWART\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eSMITH\/STEWART ist ein Künstlerduo, das sich mit zeitbasierten Medien, Video-Kunst und konzeptuellen Ansätzen auseinandersetzt. Ihre Arbeit \"Insulator\" (Isolator) reflektiert über Isolation, Kommunikation und die Rolle von Medien in der zeitgenössischen Gesellschaft.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDas Portikus-Projekt 2000\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eIm Jahr 2000 entwickelte der Portikus Frankfurt am Main ein radikales und wegweisendes Konzept: Statt traditioneller Kunstförderung emittierte die renommierte Institution Genussscheine – eine ironische Aneignung kapitalistischer Finanzinstrumente für die Kunstwelt. International renommierte Künstler und Künstlerduos gestalteten jeweils einen individuellen Entwurf. Jeder Schein ist ein eigenständiges Kunstwerk und gleichzeitig ein funktionales Dokument.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\"Insulator\" – Video-Arbeit als Genussschein\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDie Besonderheit dieser Arbeit liegt in ihrer hybriden Form: SMITH\/STEWART kombinierten den Genussschein mit einer Video-Arbeit auf Videokassette – ein Medium, das im Jahr 2000 bereits im Übergang zum Digitalen stand. Diese Verbindung von analogem Video-Medium und konzeptuellem Finanzinstrument schafft eine zusätzliche Bedeutungsebene über Wert, Vergänglichkeit und mediale Transformation.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eKünstler: SMITH\/STEWART (Künstlerduo)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: \"Insulator\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: 2001\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMedium: Video-Arbeit auf Videokassette + Genussschein\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEdition: 3\/10 (einer von zehn individuell gestalteten Genussscheinen)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eGesamtauflage Portikus-Projekt: 1000 Exemplare\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNummerierung: 0179\/1000\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAufschrift: \"Genußschein 1000 DM\" und \"Portikus Frankfurt am Main 2000\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMit Trockenstempel des Herausgebers\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSigniert\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eInklusive Zertifikat\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: [sehr gut]\u003cbr\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eHistorischer Kontext\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDas Jahr 2000 markiert einen bedeutenden Moment in der Kunstgeschichte:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eDie Jahrtausendwende als symbolischer Wendepunkt\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eDer Übergang von analogen zu digitalen Medien\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eDie D-Mark als Währung (vor der Euro-Einführung 2002)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eVideo-Kunst am Scheideweg zwischen VHS und digitalen Formaten\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eDie Videokassette als Kunstobjekt\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eIm Jahr 2026 hat die Videokassette als Medium eine zusätzliche historische Dimension gewonnen. Was im Jahr 2000 noch ein aktuelles Medium war, ist heute ein Artefakt der Mediengeschichte. Dies verleiht SMITH\/STEWARTs Arbeit eine unbeabsichtigte, aber faszinierende zeithistorische Ebene.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eProvenienz \u0026amp; Bedeutung\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDer Portikus in Frankfurt am Main ist eine der renommiertesten Institutionen für zeitgenössische Kunst in Deutschland. Das Genussschein-Projekt von 2000 war wegweisend für alternative Finanzierungsmodelle im Kunstbetrieb und vereinte einige der wichtigsten Künstler der Zeit.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDieses Werk ist von außerordentlicher Seltenheit und vereint mehrere einzigartige Aspekte:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eHybrid-Werk\u003c\/strong\u003e – Video-Arbeit + Konzeptkunst + Finanzinstrument\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eExtrem limitiert\u003c\/strong\u003e – Nur 10 Entwürfe, davon Nr. 3\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003ePortikus-Projekt\u003c\/strong\u003e – Teil eines legendären institutionellen Experiments\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eZeithistorisches Dokument\u003c\/strong\u003e – Jahr 2000, D-Mark, VHS-Kassette\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eMit Zertifikat\u003c\/strong\u003e – Authentizität gesichert\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSigniert und nummeriert\u003c\/strong\u003e – 0179\/1000\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eIdeal für\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eSammler zeitgenössischer Video-Kunst\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eLiebhaber konzeptueller und institutionskritischer Kunst\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eKenner des Portikus und seiner Geschichte\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSammler von Medienkunst und zeitbasierten Arbeiten\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMuseen und institutionelle Sammlungen\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003ePräsentation \u0026amp; Konservierung\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eAls Video-Arbeit auf VHS-Kassette erfordert dieses Werk besondere Aufmerksamkeit in Bezug auf Konservierung und Präsentation. Die Kassette sollte klimatisiert gelagert werden, und für die Wiedergabe sollten professionelle VHS-Abspielgeräte verwendet werden.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEin außergewöhnliches Hybrid-Kunstwerk an der Schnittstelle von Video-Kunst, Konzeptkunst und institutioneller Kritik – ein seltenes Zeugnis des Portikus-Projekts 2000 und ein faszinierendes Dokument der Mediengeschichte.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54619310063884,"sku":null,"price":3500.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/IMG_20372.heic?v=1767300565"},{"product_id":"florian-borkenhagen-skulpturaler-thronsessel-1995","title":"Florian Borkenhagen – Skulpturaler Thronsessel (1995)","description":"\u003cdiv class=\"bodytext-html\"\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003ch2 class=\"_h2_nvzmr_71\" id=\"florian-borkenhagen--skulpturaler-thronsessel-1995\"\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFlorian Borkenhagen – Skulpturaler Thronsessel (1995)\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/h2\u003e\n\u003cp class=\"_p_nvzmr_104\"\u003e\u003cspan\u003eEin außergewöhnliches Kunstobjekt an der Schnittstelle von Skulptur und funktionalem Design: Der skulpturale Thronsessel von Florian Borkenhagen aus dem Jahr 1995. Dieses Werk verbindet die archaische Symbolik des Throns mit zeitgenössischer künstlerischer Formensprache – ein Statement-Piece, das Kunst und Funktion auf einzigartige Weise vereint.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3 class=\"_h3_nvzmr_86\" id=\"florian-borkenhagen--kunstler-und-designer\"\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFlorian Borkenhagen – Künstler und Designer\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp class=\"_p_nvzmr_104\"\u003e\u003cspan\u003eFlorian Borkenhagen ist ein deutscher Künstler, der sich mit der Grenze zwischen Kunst und Design, zwischen Skulptur und Gebrauchsgegenstand auseinandersetzt. Seine Arbeiten hinterfragen die Hierarchie zwischen \"freier\" und \"angewandter\" Kunst und schaffen Objekte, die beides sind: autonome Kunstwerke und funktionale Möbel.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3 class=\"_h3_nvzmr_86\" id=\"florian-borkenhagen--kunstler-und-designer\"\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eFlorian Borkenhagen:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan\u003eDetails\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul class=\"_ul_nvzmr_140\"\u003e\n\u003cli\u003e\u003cspan\u003eKünstler: Florian Borkenhagen\u003c\/span\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cspan\u003eTitel: Skulpturaler Thronsessel\u003c\/span\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cspan\u003eJahr: 1995\u003c\/span\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cspan\u003eMaterial: Konstruktion aus Holz und Metall\u003c\/span\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cspan\u003eMaße: \u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e Höhe ca. 205 cm, Breite ca. 51 cm, Tiefe ca. 95 cm.\u003c\/span\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cspan\u003eUnikat\u003c\/span\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cspan\u003eZustand: \u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003eAlters- und Gebrauchsspuren vorhanden.\u003c\/span\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003c\/div\u003e\n\u003cdiv class=\"bodytext-html\"\u003e\n\u003cp\u003eDas Objekt wurde von Florian Borkenhagen für die Eröffnung des Modesalons Naili 1995 in Frankfurt am Main geschaffen. Ähnliche Objekte entwarf er für die Ausstellung E. G. O. Kosmos, als das Auge denken lernte, Museum Künstlerkolonie Mathildenhöhe Darmstadt, 7. Juli bis 10. September 1995. Die Ausstellung hatte als Thema das Atelier von Galileo Galilei. Die Arbeiten zur Ausstellung enstanden 1994\/95 im Laboratorio Como mit der Hilfe der Assistenten Mario Zerboni und Johannes GrebeEllis. Quelle Dortheum \/ Wien \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003cstrong\u003e\u003cspan\u003ePräsentation\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"_p_nvzmr_104\"\u003e\u003cspan\u003eEin skulpturaler Thronsessel wie dieser benötigt Raum – nicht nur physisch, sondern auch konzeptuell. Geeignete Orte sind:\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul class=\"_ul_nvzmr_140\"\u003e\n\u003cli\u003e\u003cspan\u003eGalerien und Ausstellungsräume\u003c\/span\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cspan\u003eLofts und großzügige Wohnräume\u003c\/span\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cspan\u003eBüros und Repräsentationsräume\u003c\/span\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cspan\u003eSammlungen zeitgenössischer Kunst\u003c\/span\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cspan\u003eMuseen für angewandte Kunst oder Design\u003c\/span\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e\u003cstrong\u003eEin außergewöhnliches Kunstobjekt von Florian Borkenhagen – skulpturaler Thronsessel aus dem Jahr 1995. Unikat an der Schnittstelle von Kunst und Design, Symbol und Funktion. Ein Statement-Piece für anspruchsvolle Sammler.\u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e\u003cstrong\u003eFotos \u0026amp; Versand  auf Anfrage \u003c\/strong\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/div\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54623461736716,"sku":null,"price":6600.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/florian-borkenhagen-skulpturaler-thronsessel.jpg?v=1767565042"},{"product_id":"bernhard-johannes-blume-gott-heil-konvolut-1986-2003","title":"Bernhard Johannes Blume – \"Gott \u0026 Heil\" Konvolut (1986-2003)","description":"\u003ch2\u003eBernhard Johannes Blume – \"Gott \u0026amp; Heil\" Konvolut (1986-2003)\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEin außergewöhnliches Konvolut des legendären deutschen Fotokünstlers Bernhard Johannes Blume: Die Serie \"Gott \u0026amp; Heil\" – eine provokante Auseinandersetzung mit religiösen und politischen Symbolen, typisch für Blumes subversiven Humor und seine kritische Haltung gegenüber deutschen Traditionen.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eBernhard Johannes Blume – Meister des fotografischen Absurden\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eBernhard Johannes Blume (1937-2011) war zusammen mit seiner Frau Anna Blume einer der bedeutendsten deutschen Fotokünstler der Nachkriegszeit. Berühmt für ihre absurd-surrealistischen Inszenierungen, in denen Alltagsgegenstände ein anarchisches Eigenleben entwickeln – die \"Küchenkoller\"-Serie mit fliegenden Kartoffeln wurde zur Ikone der deutschen Fotokunst. Blumes Arbeiten befinden sich in den Sammlungen des MoMA, der Tate Modern, des Centre Pompidou und vieler anderer führender Museen weltweit.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\"Gott \u0026amp; Heil\" – Provokation mit System\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDie Titel \"Gott\" und \"Heil\" sind in Deutschland hochgradig aufgeladen – religiös, historisch, politisch. Blume spielt mit diesen Begriffen auf seine charakteristische Weise: subversiv, humorvoll, verstörend. Die Verwendung von Papptellern als Trägermedium ist typisch für Blumes Strategie, hohe Kunst mit Trivialkultur zu verbinden.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eDas Konvolut im Detail\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e2 Pappteller mit Siebdruck (1986):\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eDurchmesser: Ø 22,8 cm \u0026amp; Ø 28,0 cm\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTechnik: Siebdruck auf Pappteller\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eRückseitig signiert und gestempelt\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAuflage: \"Unendlich\" (konzeptueller Ansatz zur Demokratisierung der Kunst)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eRückseitig in Rot gestempelt: \"Heilsgebilde\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: 1986\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e4 signierte Fotografien:\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\"Gott\" \/ Edition Gott 1986 – signiert\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\"Heilig\" \/ 2003 – signiert\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\"heil\" \/ edition heil 1986 – signiert\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\"Chinateller\" \/ aus heiligbilder 2003 – signiert\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eZusätzliche Dokumente:\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eFotos der Ausstellung\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e1 Flyer: \"Zurück zur Natur aber wie\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eVita von Bernd Blume\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eDie Pappteller-Strategie\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDie Verwendung von Papptellern als Kunstobjekt ist eine radikale Geste: Wegwerfartikel werden zu Kunstwerken, Triviales wird sakralisiert. Der Stempel \"Heilsgebilde\" auf der Rückseite verstärkt diese Ironie – ein Pappteller als \"Heilsgebilde\" ist eine perfekte Blume'sche Provokation.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e\"Auflage: Unendlich\" – Konzeptuelle Demokratisierung\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDie Angabe \"Auflage unendlich\" ist keine technische Information, sondern ein konzeptuelles Statement. Blume hinterfragt damit die Mechanismen des Kunstmarkts: Wenn die Auflage unendlich ist, was macht das Werk dann wertvoll? Die Antwort: die künstlerische Idee, nicht die Knappheit.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003e1986 und 2003 – Zwei Werkphasen\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDas Konvolut umfasst Arbeiten aus zwei verschiedenen Perioden:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003e1986\u003c\/strong\u003e – Hochphase von Blumes konzeptueller Fotografie\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003e2003\u003c\/strong\u003e – Spätwerk, zwei Jahre vor seinem Rückzug aus der aktiven Kunstproduktion\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003eDiese zeitliche Spanne macht das Konvolut besonders wertvoll, da es Blumes kontinuierliche Auseinandersetzung mit religiösen und politischen Symbolen über fast zwei Jahrzehnte dokumentiert.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eZum Gedenken an Bernhard Johannes Blume (1937-2011)\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eMit dem Tod von Bernhard Johannes Blume im Jahr 2011 endete das Leben eines Künstlers, der wie kaum ein anderer die deutsche Fotokunst geprägt hat. Seine Arbeiten sind heute wichtiger denn je – als Zeugnisse eines subversiven Humors, der deutsche Traditionen hinterfragt, ohne zynisch zu werden.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDieses Konvolut vereint mehrere außergewöhnliche Aspekte:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eBedeutender Künstler\u003c\/strong\u003e – Bernhard Johannes Blume zählt zu den wichtigsten deutschen Fotokünstlern\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eProvokantes Thema\u003c\/strong\u003e – \"Gott \u0026amp; Heil\" – religiöse und politische Symbolik\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eZwei Werkphasen\u003c\/strong\u003e – 1986 und 2003, dokumentiert künstlerische Entwicklung\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSignierte Arbeiten\u003c\/strong\u003e – Alle Fotografien signiert\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eKonzeptuell stark\u003c\/strong\u003e – \"Auflage unendlich\" als künstlerisches Statement\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eKomplett dokumentiert\u003c\/strong\u003e – Mit Ausstellungsfotos, Flyer und Vita\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003ePappteller als Medium\u003c\/strong\u003e – Typisch für Blumes subversive Strategie\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003eProvenienz \u0026amp; Dokumentation\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDas Konvolut wird mit allen dokumentarischen Materialien geliefert: Ausstellungsfotos, Flyer und Künstlervita. Diese Dokumentation ist wichtig für die kunsthistorische Einordnung und den Sammlerwert.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eIdeal für\u003c\/h3\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eSammler deutscher Fotokunst\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eLiebhaber konzeptueller und provokanter Kunst\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eKenner von Bernhard Johannes Blumes Werk\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMuseen und institutionelle Sammlungen\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAlle, die Kunst mit Humor und kritischer Haltung schätzen\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003ch3\u003ePräsentation\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDie Pappteller können in Vitrinen oder Rahmen präsentiert werden – wichtig ist, dass die Rückseiten mit Signatur und Stempel sichtbar gemacht werden können. Die Fotografien eignen sich für klassische Rahmung oder als Teil einer Wandinstallation.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eEin Stück deutscher Kunstgeschichte\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\"Gott \u0026amp; Heil\" ist mehr als ein Konvolut – es ist ein Statement über Kunst, Religion, Politik und die Rolle des Künstlers in der Gesellschaft. Bernhard Johannes Blume hat mit diesem Werk gezeigt, dass Kunst nicht nur schön sein muss, sondern auch provozieren, hinterfragen und zum Nachdenken anregen kann.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEin außergewöhnliches Konvolut von Bernhard Johannes Blume – provokant, humorvoll, konzeptuell stark. Mit signierten Papptellern, Fotografien und vollständiger Dokumentation. Ein Muss für jeden ernsthaften Sammler deutscher Fotokunst.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54624483344652,"sku":null,"price":1200.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/IMG_2631.heic?v=1767645247"},{"product_id":"marcos-lopez-foto-print-lentikular-print-im-buch-gebunden","title":"Marcos López – Zwei ikonische Arbeiten in einem exklusiven Künstlerbuch","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eMarcos López – Zwei ikonische Arbeiten in einem exklusiven Künstlerbuch\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eExtrem seltenes Sammlerstück – nur in limitierter Auflage erschienen\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDieses außergewöhnliche Künstlerbuch vereint zwei charakteristische Werke des argentinischen Fotografen Marcos López, bekannt für seine farbintensive, sozialkritische Bildsprache, die lateinamerikanische Popkultur mit feinem Humor verbindet.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEnthaltene Arbeiten:\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cem\u003eGaucho Gil\u003c\/em\u003e – Foto-Print: Eine kraftvolle fotografische Arbeit, die López' unverwechselbare Handschrift zeigt – leuchtende Farben, kulturelle Symbolik und eine Hommage an die argentinische Volkskultur.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cem\u003eSantuario Messi\u003c\/em\u003e – Lentikulardruck (Wackelbild-Technik): Ein spielerisches Werk, das durch die innovative Drucktechnik beim Betrachten aus verschiedenen Winkeln seine Perspektive verändert – eine zeitgenössische Interpretation des Messi-Kultes.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDetails:\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eBeide Prints sind fest im Buch gebunden\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eHochwertige Druckqualität\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eExtrem selten – limitierte Auflage (unbekannte Auflage) \u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSammlerstück für Liebhaber zeitgenössischer lateinamerikanischer Fotografie\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003ePerfekt für Kunstsammler und Design-Enthusiasten\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eÜber den Künstler:\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eMarcos López (*1958 in Santa Fe, Argentinien) zählt zu den bedeutendsten zeitgenössischen Fotografen Lateinamerikas. Nach seinem Studium an der Escuela de Fotografía de Buenos Aires entwickelte er ab den 1990er Jahren seine charakteristische Serie „Pop Latino\" – eine farbgesättigte, inszenierte Fotografie, die Elemente der Werbefotografie, des Surrealismus und der lateinamerikanischen Volkskultur vereint.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSeine Arbeiten sind eine kritische Auseinandersetzung mit Konsumkultur, sozialen Ungleichheiten und kulturellen Identitäten in Lateinamerika. López' Werke befinden sich in renommierten Sammlungen weltweit, darunter das Museum of Fine Arts Houston, das Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) und die Maison Européenne de la Photographie in Paris. Seine Fotografien werden in führenden internationalen Galerien ausgestellt und sind bei Sammlern hochbegehrt.\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54627832791308,"sku":null,"price":4800.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/IMG_2737.heic?v=1767912101"},{"product_id":"auguste-kronheim-aigner-1937-2021-auf-wiedersehen-1970","title":"Auguste Kronheim-Aigner (1937-2021) – \"Auf Wiedersehen\" (1970)","description":"\u003ch2\u003eAuguste Kronheim-Aigner (1937-2021) – \"Auf Wiedersehen\" (1970)\u003c\/h2\u003e\u003cp\u003eEin berührendes Werk einer bedeutenden österreichischen Künstlerin: Der kolorierte Holzschnitt \"Auf Wiedersehen\" von Auguste Kronheim-Aigner aus dem Jahr 1970. Ein seltenes Zeugnis weiblicher Kunstproduktion in einer Zeit, als Frauen in der Kunstwelt noch stark unterrepräsentiert waren.\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003eAuguste Kronheim-Aigner – Pionierin der österreichischen Druckgrafik\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eAuguste Kronheim-Aigner (1937-2021) war eine österreichische Künstlerin, die sich intensiv mit der Technik des Holzschnitts auseinandersetzte. In einer von Männern dominierten Kunstszene der 1960er und 70er Jahre entwickelte sie eine eigenständige künstlerische Sprache, die traditionelle Drucktechniken mit zeitgenössischen Themen verband.\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003e\"Auf Wiedersehen\" – Abschied und Vergänglichkeit\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eDer Titel \"Auf Wiedersehen\" verweist auf eines der universellsten menschlichen Themen: den Abschied. Ob als temporäre Trennung oder endgültiger Verlust – Kronheim-Aigners Interpretation aus dem Jahr 1970 fängt die emotionale Komplexität dieses Moments ein. In einer Zeit gesellschaftlicher Umbrüche schuf sie ein Werk, das persönliche Erfahrung mit zeitloser Symbolik verbindet.\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003eDie Technik des kolorierten Holzschnitts\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eDer Holzschnitt ist eine der ältesten Drucktechniken und erfordert großes handwerkliches Können. Bei einem kolorierten Holzschnitt wird der Druck nachträglich von Hand mit Farbe versehen – jedes Exemplar ist dadurch ein Unikat, auch innerhalb der nummerierten Auflage. Die Kombination aus der kraftvollen, reduzierten Linienführung des Holzschnitts und der subtilen Farbgebung macht diese Technik besonders ausdrucksstark.\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003eDetails\u003c\/h3\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eKünstlerin: Auguste Kronheim-Aigner (1937-2021)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTitel: \"Auf Wiedersehen\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJahr: 1970\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTechnik: Kolorierter Holzschnitt\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSigniert von der Künstlerin\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eZustand: Sehr gut\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch3\u003eKunsthistorischer Kontext\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eDie 1970er Jahre waren eine Zeit des künstlerischen und gesellschaftlichen Aufbruchs. Künstlerinnen wie Auguste Kronheim-Aigner begannen, persönliche und emotionale Themen aus ihrer eigenen Perspektive zu erforschen – nicht mehr durch den männlichen Blick gefiltert. \"Auf Wiedersehen\" ist Teil dieser wichtigen künstlerischen Entwicklung und dokumentiert die Auseinandersetzung mit universellen menschlichen Erfahrungen.\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003eFür Sammler\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eDieses Werk bietet mehrere interessante Aspekte für Sammler:\u003c\/p\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eWeibliche Künstlerin\u003c\/strong\u003e – Werke von Künstlerinnen gewinnen zunehmend an Anerkennung und Wert\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eHandkoloriert\u003c\/strong\u003e – Jedes Exemplar ist ein Unikat\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eZeitdokument\u003c\/strong\u003e – Aus der wichtigen Phase der 1970er Jahre\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSehr guter Zustand\u003c\/strong\u003e – Über 50 Jahre alt und hervorragend erhalten\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eTraditionelle Technik\u003c\/strong\u003e – Holzschnitt ist eine geschätzte Drucktechnik\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cstrong\u003eSigniert\u003c\/strong\u003e – Authentizität durch Künstlersignatur\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch3\u003eThematische Zeitlosigkeit\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eDas Thema Abschied und Vergänglichkeit ist zeitlos und universell. Kronheim-Aigners \"Auf Wiedersehen\" aus dem Jahr 1970 gewinnt zusätzliche Bedeutung als historisches Dokument einer Zeit, in der Künstlerinnen begannen, ihre eigenen emotionalen Landschaften zu kartografieren.\u003c\/p\u003e\u003ch3\u003eZum Gedenken\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eMit dem Tod von Auguste Kronheim-Aigner im Jahr 2021 endete das Leben einer Künstlerin, die über Jahrzehnte hinweg eigenständig und konsequent arbeitete. Ihre Werke sind Zeugnisse einer künstlerischen Haltung, die Tradition und Moderne, Handwerk und Ausdruck miteinander verband.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEin berührendes Werk einer österreichischen Künstlerin – thematisch zeitlos, technisch meisterhaft, historisch bedeutsam.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"18\" x 24\"","offer_id":54627834495244,"sku":null,"price":950.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/IMG_2769.heic?v=1767913947"},{"product_id":"gunther-forg-villa-maleparte","title":"Günther Förg – Villa Maleparte - 1995","description":"\u003ch3\u003eGünther Förg – Villa Maleparte\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eEin außergewöhnliches Werk des renommierten deutschen Künstlers Günther Förg (1952–2013), der zu den bedeutendsten Vertretern der zeitgenössischen Kunst zählt.\u003c\/p\u003e\n\u003ch4\u003eÜber das Werk\u003c\/h4\u003e\n\u003cp\u003eDiese Arbeit widmet sich der legendären \u003cstrong\u003eVilla Malaparte\u003c\/strong\u003e auf Capri – einem der ikonischsten Beispiele rationalistischer Architektur. Förg, bekannt für seine intensive Auseinandersetzung mit Architektur und Raum, fängt die charakteristische Ästhetik und monumentale Präsenz dieses außergewöhnlichen Bauwerks ein.\u003c\/p\u003e\n\u003ch4\u003eKünstlerische Bedeutung\u003c\/h4\u003e\n\u003cp\u003eGünther Förg gilt als Meister der Reduktion und des Dialogs zwischen Malerei, Fotografie und Architektur. Seine Werke befinden sich in bedeutenden Sammlungen weltweit, darunter MoMA New York, Tate Modern London und Stedelijk Museum Amsterdam.\u003c\/p\u003e\n\u003ch4\u003eDetails\u003c\/h4\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eFormat: 30,5 × 23,8 cm\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eKünstler: Günther Förg (1952–2013)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMotiv: Villa Malaparte, Capri\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eHandsigniert\u003c\/strong\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\u003cstrong\u003eMit Exemplarnummer\u003c\/strong\u003e\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAuthentisches Sammlerstück\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003eEin faszinierendes Zeugnis von Förgs künstlerischer Auseinandersetzung mit moderner Architektur – ideal für anspruchsvolle Sammler zeitgenössischer Kunst.\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54630253035788,"sku":null,"price":1400.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/PHOTO-2026-01-11-15-20-25.jpg?v=1768145992"},{"product_id":"radierung-max-beckmann-1884-leipzig-1950-new-york-city","title":"Radierung Max Beckmann 1884 Leipzig - 1950 New York City","description":"\u003ch3\u003eMax Beckmann – „Kreuzabnahme\", 1918\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eEine außergewöhnliche Radierung von \u003cstrong\u003eMax Beckmann\u003c\/strong\u003e (1884 Leipzig – 1950 New York City), einem der bedeutendsten deutschen Expressionisten des 20. Jahrhunderts.\u003c\/p\u003e\u003ch4\u003eÜber das Werk\u003c\/h4\u003e\u003cp\u003eBlatt 11 aus der berühmten Mappe \u003cstrong\u003e„Gesichter\"\u003c\/strong\u003e, entstanden 1918 – einem Wendepunkt in Beckmanns künstlerischer Entwicklung nach seinen traumatischen Kriegserfahrungen. Die „Kreuzabnahme\" zeigt seine charakteristische expressive Linienführung und die intensive Auseinandersetzung mit religiösen Themen.\u003c\/p\u003e\u003ch4\u003eBesonderheit\u003c\/h4\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEiner von nur 40 Abzügen vor der Verstählung der Platte\u003c\/strong\u003e – eine außerordentliche Rarität! Diese frühen Abzüge zeichnen sich durch besondere Druckqualität und Tiefe aus.\u003c\/p\u003e\u003ch4\u003eTechnische Details\u003c\/h4\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eTechnik: Radierung auf Japan-Papier\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003ePlattenmaß: 30,3 × 25,8 cm\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSigniert und datiert unten rechts: Beckmann 18\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMit dem Trockenstempel der Marées-Gesellschaft\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eWerkverzeichnis: Hofmaier 131 II B a\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAuflage: 1\/40 vor Verstählung\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch4\u003eProvenienz \u0026amp; Zustand\u003c\/h4\u003e\u003cp\u003eDas Blatt stammt aus der Edition der renommierten Marées-Gesellschaft und befindet sich in hervorragendem Erhaltungszustand.\u003c\/p\u003e\u003ch4\u003eÜber Max Beckmann\u003c\/h4\u003e\u003cp\u003eMax Beckmann zählt zu den wichtigsten Vertretern des deutschen Expressionismus. Seine Werke befinden sich in den bedeutendsten Museen weltweit, darunter MoMA New York, Tate Modern London und Städel Frankfurt. Die Mappe „Gesichter\" von 1918 gilt als Schlüsselwerk seiner künstlerischen Entwicklung.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEin museales Sammlerstück von höchster Bedeutung für anspruchsvolle Kunstsammler.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54661444043020,"sku":null,"price":5800.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/PHOTO-2026-02-03-14-36-12.jpg?v=1770128010"},{"product_id":"radierung-max-beckmann-1884-leipzig-1950-new-york-city-1","title":"Max Beckmann – Radierung „Auferstehung\" 1918 – Rarität vor Verstählung","description":"\u003ch3\u003eMax Beckmann – „Auferstehung\", 1918\u003c\/h3\u003e\u003cp\u003eEine außergewöhnliche Radierung von \u003cstrong\u003eMax Beckmann\u003c\/strong\u003e (1884 Leipzig – 1950 New York City), einem der bedeutendsten deutschen Expressionisten des 20. Jahrhunderts.\u003c\/p\u003e\u003ch4\u003eÜber das Werk\u003c\/h4\u003e\u003cp\u003eBlatt 12 aus der berühmten Mappe \u003cstrong\u003e„Gesichter\"\u003c\/strong\u003e, entstanden 1918 – einem Wendepunkt in Beckmanns künstlerischer Entwicklung nach seinen traumatischen Kriegserfahrungen. Die „Auferstehung\" zeigt seine charakteristische expressive Linienführung und die intensive Auseinandersetzung mit existenziellen und religiösen Themen.\u003c\/p\u003e\u003ch4\u003eBesonderheit\u003c\/h4\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEiner von nur 40 Abzügen vor der Verstählung der Platte\u003c\/strong\u003e – eine außerordentliche Rarität! Diese frühen Abzüge zeichnen sich durch besondere Druckqualität und Tiefe aus und sind bei Sammlern besonders begehrt.\u003c\/p\u003e\u003ch4\u003eTechnische Details\u003c\/h4\u003e\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eTechnik: Radierung auf Japan-Papier\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003ePlattenmaß: 24 × 33,2 cm\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSigniert unten rechts: Beckmann\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eUnten links mit dem Trockenstempel der Marées-Gesellschaft\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eHandschriftlich mit Titel und (18) bezeichnet\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eWerkverzeichnis: Hofmaier 132 II B a\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAuflage: 1\/40 vor Verstählung\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\u003ch4\u003eProvenienz \u0026amp; Zustand\u003c\/h4\u003e\u003cp\u003eDas Blatt stammt aus der Edition der renommierten Marées-Gesellschaft und befindet sich in hervorragendem Erhaltungszustand.\u003c\/p\u003e\u003ch4\u003eÜber Max Beckmann\u003c\/h4\u003e\u003cp\u003eMax Beckmann zählt zu den wichtigsten Vertretern des deutschen Expressionismus. Seine Werke befinden sich in den bedeutendsten Museen weltweit, darunter MoMA New York, Tate Modern London und Städel Frankfurt. Die Mappe „Gesichter\" von 1918 gilt als Schlüsselwerk seiner künstlerischen Entwicklung und dokumentiert seine Verarbeitung der Kriegserlebnisse.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEin museales Sammlerstück von höchster Bedeutung für anspruchsvolle Kunstsammler.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Panoptikum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54661449974028,"sku":null,"price":6000.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/files\/PHOTO-2026-02-03-14-37-12.jpg?v=1770128331"}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0669\/4033\/8444\/collections\/12.Duerkop.jpg?v=1767554163","url":"https:\/\/panoptikum.store\/collections\/art-kunst.oembed","provider":"Panoptikum","version":"1.0","type":"link"}